Érase una vez America

Reconozco que las cintas de una duración más allá de 3 horas no suelen gustarme, es complicado estar concentrado más tiempo –para mi- y cortar la peli en dos partes, bueno no me encanta, pero tampoco pasa nada. 

Evidentemente cuando la película es una obra maestra, el tiempo pasa volando y no importa; claro que para eso hay que estar muy seguro de lo que se está mostrando al espectador es una obra maestra y en este caso así ocurre (al menos es mi opinión). Salvando esta teoría del tiempo que es nada mas que un pensamiento muy relativo, entraremos de lleno en la pelí…

Contar la trama de la película sería un suicidio, 4 horas de peli!!, además creo que la mayoría conoce la peli, si no deberíais verla es sin duda la mejor película sobre gansters del cine junto con la trilogía del Padrino de Coppola, aunque tampoco se deben olvidar otras cintas estupendas como “Los intocables” o “Uno de los Nuestros” y es que para ser un especialista de los Spaghetti Western desde luego Sergio Leone hace una de las mejores pelis del cine sin duda (algunos spaghettis se pueden comer eh!). 

En fin a lo que vamos,y sin hacer mas que una pequeña explicación… David Aaronson "Noodles" Scott Tiler, un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan de principio del siglo XX a Maximilian Bercovicz "Max" Rutsy Jacobs, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entablan una gran amistad y forman, con los 3 colegas de "Noodles", Patrick Goldberg "Patsy" Brian Bloom, Philip Stein "Cockeye" Adrian Curran, y Dominic Noah Moazezi una banda que prospera rápidamente.

Desgraciadamente, son perseguidos por Bugsy James Russo, el tipo para el que Noodles y sus amigos trabajaban anteriormente, y en uno de sus asaltos, mata a Dominic. Rápidamente Noodles se tira encima suyo y le mata, por lo que pasará 12 años en prisión. Cuando Noodles Robert De Niro sale de prisión le recibe Max James Woods, que sigue con su banda junto a los otros 2 amigos, Patsy James Hayden y Cockeye William Forsythe. Rápidamente, entre los 4 llegan a convertirse, en tiempos de la prohibición, en unos importantes mafiosos.


Evidentemente la película tiene un montón de momentos mágicos, momentos para reflexionar, flashback, y guiños como el teléfono que suena constantemente de un plano a otro o el famoso maletín mancomunado que viaja a lo largo de la película pero no de localización salvo al final que decide marcharse con David, las referencias al reloj con el cual se conocieron David y Max y que sale en varias secuencias de la película tanto al comienzo como al final- cuando están a punto de despedirse-todo ello acompañado por una de las mejores bandas sonoras del cine de Ennio Morricone (exceptuando versión orquestada del tema beatle "Yesterday", que me suena a “hilo musical”). Por cierto hablando de reflexiones y sueños, viendo a De Niro con el Opio ¿no dan ganas de tumbarse al lado y acompañarle …?



La parte mas que más me gusta es la de los chavales, quizás sea por que se supone que todavía no parecen “demasiado malos” y “justifica” a estos chavales que se unan para salir adelante en un mundo sin demasiados escrúpulos, de policías corruptos, pandillas organizadas,… y es la parte mas “tierna”, además tiene momentos muy especiales, (cuando David intenta leer en el cuarto de baño porque no puede hacerlo en su casa, o cuando se enamora por primera vez y Max se lo recrimina por que tienen que hacer trabajitos) mi escena favorita es cuando Dominic muere en brazos de David y le dice …(creo que en castellano es...) “Me resbalé”.

No tengo un plano con la foto del reloj que tanto sale en la peli pero en casa tengo este reloj clavadito, eso si este no es robado que conste!!

Nota 9

Amor, en estado mudo.

No se pero la verdad es que cada vez estoy más enganchado a las cintas antiguas e incluso a las que no tienen sonido, bueno quiero referirme a las películas mudas; sonido tuvieron siempre en directo o grabado posteriormente, en fin espero que esto no sea grave…
Quizás acabe como uno de los lechuguinos de Wodehouse, con un Bombín equivocado comprado en Bodmin´s y andando como Chaplin balanceándome de lado a lado con un viejo bastón mientras los chavales del colegio de enfrente se rien viendo al vecino devorador de películas mudas jajaja!!!

Bueno, dejando de lado el tono cómico voy a referirme a dos peliculones que desarrollan historias de amor. La primera es Amanecer, rodada por el director Friedrich Wilhelm Murnau en 1920. Famoso por su obra "Nosferatu", rodada dos años mas tarde, tiene otras películas estupendas como “Fausto” o “El último”, y rodó muchas mas cosas que se perdieron. Pero quiero Hablar de Amanecer (Sunrise). Es una drama amoroso, una feliz y humilde pareja de campesinos (George O´Brien-él, y Janet Gaynor-ella) parece tener sus días contados por la presencia de una mujer de ciudad (Margaret livingston) que ha robado el corazón al chico y pretende no sólo separarle de su mujer sino que este la mate, venda la granja y escape con él, sin embargo en el momento de ahogar a su mujer se arrepiente, esta la perdona…a la vuelta a casa sin embargo una tormenta vuelca la barca y la tragedia parece volver sobre la pareja, además aparece de nuevo la amante y con ello terminar definitivamente de redondear el drama, pero esta es una película antigua...


Las escenas que desarrolla Murnau son realmente emocionantes, son pura poesía de la imagen, donde los sentimientos más profundos encuentran un medio de expresión perfecto , se combinan además con momentos cómicos y conectan rápidamente, con palabras justas, que incluso tienen animación visual con significado, y los sonidos están sincronizados de una manera revolucionaria para la época.

Murnau utilizó el "Movietone", un sistema de sonido revolucionario que destacaba sobre el que se conocía hasta entonces, el "Vitaphone" de la Warner, el "Movietone" fue el primer sistema de sonido que imprimía el sonido con la imagen en la misma "película". "Amanecer" era muda, pero se creó una banda sonora con efectos de sonido especifica, que aún hoy se conserva. Sin embargo se dice que la primera cinta o película sonora es “El cantante de Jazz” producida con el sistema Vitaphone de la Warner de 1927, (se sincronizaba sonido y voz).
Además se usaron técnicas revolucionarias como el movimiento de cámaras deslizantes que luego usarían grandes cineastas por ejemplo; John Ford en The Informer de (1935) y Orson Welles en Citizen Kane de (1941).

Una historia de amor a la que no puede uno sustraerse , …ni debe perderse este despliegue de sabiduría…imaginémonos por un momento lo que en aquellos tiempos sería el cine, un artículo de estudio, o de feria y que algunos genios como Murnau convertían en poesía, en arte!!


Otra gran película es Way Down East, del Director David.W. Griffith, es también de 1920. La película está dividida en dos partes, en castellano la cinta se titula “las dos tormentas”, por los dos dramas; en la primer parte una chica ingenua y de escasos recursos-Anna-(Lillian Gish) llega casa de unos parientes ricos donde conoce a un perverso mujeriego-Lennox-(Lowell Sherman) que la engañará y vivirá con ella en un falso matrimonio que además ella debe mantener en secreto. Anna termina contando a su madre su estado, él, le dice la verdad y para colmo su madre muere…aquí termina la primera parte.

En la segunda comienza con Anna con un bebe enfermito y en una escena brutal en la que se ve como se despide de él, ella misma lo bautiza y sale un primer plano llorando…
Luego la echan de la habitación y sale sin rumbo fijo y desolada en busca de cobijo. Una familia puritana la acoje como criada y parece recuperarse del trauma e incluso comienza a enamorarse del chico de la familia –David-(Richard Barthelmess), pero aparece en escena de nuevo Lennox como vecino, el padre se entera del pasado de la chica, pero no de toda la historia sino de lo que una arpía sin escrúpulos le suelta, Anna desesperada y rabiosa dice toda la verdad y sale huyendo en plena tormenta de nieve, le sigue David y los demás, l.4as escenas son espectaculares, por rios, bloques de hielo, catarátas…(escenas con filtros azules para dar sensación de frío) al final David rescata a la chica semicongelada y al borde del precipicio y claro se casa con ella ;)


En fin, la capacidad narrativa y el despliege de medios de David.W. Griffith es espectacular, y evidentemente se nota ya una habilidad en recursos cinematográficos impresionantes para esa época; como ya lo había hecho en “Intolerancia” o en “El nacimiento de una nación” (al margen de que se le pueda acusar de racismo por la escena del KKK y por poner a los negros como malos o buenos pero tontos esto es debido sin duda a ser hijo de hijo de un coronel sudista arruinado por la guerra civil y a la época,-claro que esto pasaría con muchas películas como lo que el viento se llevo”- pero de eso hablaré al hacerlo de esta peli), su influencia en directores de esa época (y posteriores) fue determinante.

Por cierto, hablando de 1920, hay una exposición de Man Ray en la Fundación ICO , en Madrid, donde podeis contemplar un montón de retratos de personajes famosos en ese año, bueno y muchos otros años claro...

Nota: Way Down East: 7.6
           Amanecer: 9.2

La Condesa Descalza

Como ya hizo Mankiewicz en 1954 voy a pasar del B/N al color en el blog (aunque no en la mayoría de las fotos)y lo voy a hacer con “el animal mas bello del mundo”, con Ava Garner.


Hacía tiempo que quería comentar esta peli, concretamente desde un post de Mad hatter aunque hace ya tanto tiempo que ni recuerdo el motivo, por que ¿será, será?. El caso es que vi la película hace un mes o dos no se, pero vamos si puedo recordar la peli perfectamente. Y que película! Si bien es cierto que hay que permitirse ciertas licencias con el tema del idioma si se escucha en V.o. (supongo que la industria americana no pensaba en el público español y menos en los años 50) no es menos cierto que tampoco nos extraña escuchar esta historia con un Bogart por ejemplo hablando toda la película en castellano en la versión doblada; con una historia donde se cruza el charco con gran alegría, evidentemente, deformación cultural.Se dice que el guión se inspira en la historia de Rita Hayworth y el Hollywood de los primeros 50.

La película se localiza en Madrid, Hollywood, Roma, Montecarlo y Rapallo, a lo largo de 3 años (1950/53 c.). Mankiewicz desarrolla la película y el guión estupendamente, con un comienzo que engancha al espectador desde el principio, usando además la técnica de la voz en off y el flashback (propio del cine negro); justo después… tres cineastas estadounidenses (un vanidoso productor independiente, un director- Harry Dawes /Humphrey Bogart- y un guionista) descubren a una extraordinaria bailarina llamada María Vargas,(Ava Garner) bailadora de flamenco en un club nocturno de Madrid. Sin perder ni un minuto, todos ellos se trasladan a Hollywood, donde lanzan a la desconocida al estrellato. Kirk, (Warren Stevens) el productor de sus películas, corteja a María sin ningún resultado. Ella, para humillarle, accede a acompañar a Bravano,( Marius Goring) un multimillonario, durante un crucero por la Riviera. María se cansa pronto de sus favores y le deja por el Conde Vicenzo (Rossano Brazzi)….un cuento como el de la cenicienta, pero con un final dramático.

La cinta contiene criticas a la alta sociedad, así como a Burguesía y a los grandes empresarios y la necesidad de buscar la felicidad, también se refiere a las casualidades de la vida o el destino de las personas y nos hace pensar un poco en el hecho si ese destino esta predeterminado o no, si el poder esta unido a la felicidad, o cuanto dura la felicidad …

Respecto a esto, aunque no tiene que ver con la peli, pero si con la frase “Que será, será”, me quería referir a la canción que cantaba Doris Day en la película "El hombre que sabía demasiado" de Alfred Hitchcock filmada dos años después de esta, la canción se titulaba "Whatever Will Be (Que Sera, Sera)"

Puede que no sea la obra mas completa de Mankiewicz, no se, quizás me quedase con otras como El fantasma y la señora Muir, o Eva al desnudo, pero en cualquier caso es una película que no os va a dejar mal sabor de boca y sobretodo al público masculino, Ava esta espectacular, bueno y Humphrey esta muy tierno, que hay para todos y todas eh :)


Joooopee!!...que no es ORO, todo lo que reluce eh!!..aunque a uno le van las rubias, jaja, y hablando de rubias, y con permiso, por su puesto de FB, voy a dedicar este post a todas las morenas, y a "La rubia azabache"y darle la enhorabuena por la el curro que tiene, jeje..que haríamos sin los que están detrás de la cámara! espero que la peli este a puntito, ah también, dedicado a tono, pariente de LZ, si es que no voy a terminar nunca...recuerdame la peli que se ma ha pasado, y le doy publicidad!!

Nota 8.3

Dr. Jekyll y Mr. Hyde II (El hombre y el monstruo / El extraño caso del Dr. Jekyll)

El hombre y el monstruo

Siguiendo con el tema del DR Jekyll, las películas que quería comentar en esta ocasión son las versiones de los años 31 y 41. Digamos que la versión de los años 40 copia en su integridad (salvo detalles escasísimos, que luego comentaré) a la de los 30 así que sólo compararé esta con la de los años 20 para no repetirme.

La cinta de 1931 está estupendamente dirigida por Rouben Mamoulian y cuenta con la excelente interpretación de Fredric March en el papel del DR Jekyll, y Miriam Hopkins en el lujurioso papel de la prostituta. Básicamente estos dos papeles son el centro de atención de la película (a diferencia de la película de 1920 donde sólo hay un papel principal) además de la relación del doctor con su prometida y su padre, una relación de respeto y represión sexual que llevan al doctor a drogarse para olvidar dicha represión y poder acercarse a la prostituta sin ningún complejo, cuando el padre de la chica permite el matrimonio las drogas son demasiado fuertes…(en la otra peli la lujuria no tiene tanta relevancia y si el carácter altruista del doctor en contraste con el perverso de Mr. Hyde)

Los recursos visuales son esplendidos, desde tomas frontales, fotografía, cortinillas para cambiar de escenas, así como los decorados y por su puesto escucharlo en versión original :) y a este respecto le pongo un pero, es que al volverse Mr Hyde, con esos dientes tan feos que le ponen hacia delante, no puede hablar bien, a mí no me gusta, como tampoco me gusta la cara de mono que le queda, es exagerada, se supone que la droga le cambia psiquicamente, e incluso la saldrían ojeras, la piel se le pondría blanca o azulada por las venas, podría tener mas pelo, estar chupado…no se, el aspecto de un yonqui, con los dedos delgados y sin dientes…pero de ahí a parecer un chimpancé…de todas formas la critica pone esta película como la mejor de todas, y creo que es fabulosa, pero en este aspecto para mí, no.

Nota 7.5

El extraño caso del Dr. Jekyll

En cuanto a la película de 1941 Dirigida por Victor Fleming, destacaría que cuenta con una estupenda interpretación de Spencer Tracy en el papel del doctor e Ingrid Bergman en el papel de la prostituta, más sensual que sexual (y muy guapa por cierto), pero con la misma carga psicológica, .

Evidentemente la película no tiene el mismo mérito que la de los años 30 al ser una copia exacta, la única variación es una pequeña concesión a la Iglesia en un par de momentos como portadora del bien. Spencer Tracy no está tan maquillado al volverse Mr. Hyde, (su repelencia es más física que psíquica) ¡claro que se podría criticar entonces que la prostituta se podría dar cuenta entonces que es realmente el doctor!...pero ese es otro tema.

Otra versión especialmente interesante, que tengo apuntada como “deberes” y que creo que es muy buena es “Le testáment du docteur Codelieur” de Jean Renoir.

En fin, también he comentado ya en la primera parte otras películas como “el profesor chiflado” protagonizada por Jerry lewis, o “Mary Reilly”, yo me sigo quedando con la película de 1920.

Nota 7

Dr. Jekyll y Mr. Hyde (El hombre y la bestia)

Un comentario de mi amiga Desconvencida sobre el problema del trastorno o Desorden bipolar me hizo recordar además de un título llevado al cine en multitud de ocasiones, un problema que tienen algunas personas, incluso cercanas, más de lo que uno quisiera pensar. Un amigo parece tener ese problema y me temo que es bastante serio, pero no voy a ponerme muy dramático, así que me mejor paso a enredarme con algunas de las mejores cintas de la historia y me temo que tendré que hacer uso del término “bi” o sea hacer dos post, porque es un tema fascinante.

Todas las películas sobre el Dr. Jekyll y Mr. Hyde se basan en la fascinante novela de Robert Louis Stevenson, publicada por primera vez en inglés en 1886, cuyo título original es The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde. Trata acerca de un abogado, Gabriel John Utterson, que investiga la extraña relación entre su viejo amigo, el Dr. Harry Jekyll, y el misántropo Edward Hyde. 

Parece ser que el libro lo escribió bajo los efectos del LSD, esta cuestión es interesante sin duda, pues las drogas ,en general, son fuente inequívoca de la alteración del comportamiento humano y la base del argumento es la lucha interna del bien y el mal, aunque también describe especialmente el período victoriano -como la respetabilidad externa y la lujuria interna- sin duda una prueba clara de esa lucha.

La primera peli que voy a comentar es la de 1920 Dirigida por John S. Robertson (ya se hizo otra interesante en 1912). Esta protagonizada en su papel principal por John Barrymore, quien acapara toda la atención de la película (importante familia de actores de Hollywood, el abuelo de Drew B., la niña de E.T. vamos). Los efectos especiales son innovadores para la época, así el morphing -o sea el paso de una cara a otra- se ve sin cortes por primera vez, también incluye escenas monocolor con tonos azules para el exterior y marrones para el interior si bien en alguna escena, están confundidos los tonos (al menos la copia que vi yo) como la escena en la calle con el niño y en otros los marrones son casi ocres, amarillemtos o rojos, pero vamos para ser en el año 20 tampoco puede uno ser malo.

La caracterización de Hyde me gusta, vamos que impresiona, no sería un tipo al que me gustaría ver por la calle y la música acompaña muy bien durante toda la película, cosa que en el cine mudo evidentemente es muy importante, (vi una versión original, con lo que supongo que la banda sonora también lo era). Evidentemente refleja la época victoriana perfectamente debido a la proximidad temporal así como la diferenciación de los aspectos positivos y negativos del doctor, la relación con su amada y sus amigos. El aspecto lujurioso no es tan importante en esta película en relación a otras versiones. El final del personaje es todos los casos el mismo si bien esta es una de las primeras versiones lo cual le da un valor añadido, el mal se apodera del doctor.



Las películas de 1931 y 1941 así como otros comentarios sobre alguna versión más como la de Renoir, las dejo para un momento posterior de la semana que viene para que descansemos todos, que sino me voy a trastornar ;)

Nota 7.2

Días sin huella / Días de vino y rosas.

Días sin huella

Un post de mi amiga virtual Maite sobre una frase de Confucio me llevó a recordar lo alocados que vivimos y lo poco que nos paramos a pensar en las cosas bellas o no tan bellas. Recuerdo una vez a un hombre tirado en medio de la calle en una vía muy ancha de Madrid y cientos de personas pasando a su lado sin inmutarse, yo ese día me pare y llame al SAMUR mientras llegaba, me separe un poco de él-por curiosidad- y nadie se acercó, menos una persona, que resultó ser el hijo de el portero de la casa donde yo vivía de pequeño, paro a saludarme y preguntarme que hacía con ese señor. El señor en cuestión era un borracho que no conocía por entonces, ahora le veo más, durmiendo entre cartones, con sus “amigos” en la entrada del supermercado Día,…

Así que me puse manos a la obra y de la realidad -siempre más dura- me pase a la ficción para deleitarme viendo dos obras maestras relacionadas con este tema. La primera, “Días sin huella” o “The lost Weekend”(me gusta más este título) este, está en la onda del cine negro, o quizás queda mas chulo decir ¨”film noir”, aunque no es menos cierto que el relato en si es un drama y un alegato de fondo contra el alcoholismo, basado en la novela de Charles R. Jackson. La película está magistralmente dirigida por Billy Willder (recordar que trabajó entre otros con el magistral Lubitsch-ver post anterior-, sin duda alguien muy influyente en su vida artística).

Don Birnam (Ray milland), es un escritor fracasado que vive con su hermano Wick (Philip Terry) que le mantiene y cuida pero que no consigue evitar desengancharle del alcoholismo ni su novia Helen (Jane Wyman) quienes le proponen un fin de semana limpio. ¿Bueno quizás ya sabía Don Birnam que Jane Wyman interpretaría a la malísima Ángela Channing, y por eso no le hacía caso?.

Bueno bromas aparte la narración es espléndida, con un uso perfecto de los tiempos y flashbacks, y la música de Miklos Rozsa envuelve el ritmo de la misma hasta angustiar al mismísimo espectador. Sin querer desempolvar el argumento, si diré que el film tiene detalles estupendos como las conversaciones con el barman, o las botellas de leche que se acumulan- esto me suena haberlo visto también en el apartamento-, la botella colgando…bueno no sigo por si no la habeís visto, pero no la dejeís de ver.

Nota 8.3

Días de vino y rosas

La otra película que vi y que quería comentar, es posiblemente más conocida, “Días de vino y rosas”, una grandísima película, que sin duda es también un alegato contra el alcoholismo y que está estupendamente rodada por Blake Edwards. La película era una adaptación de un drama televisivo de mucho éxito dirigido por John Frankenheimer. A Joe Clay (Jack Lemmon) le gusta mucho beber y trabaja como relaciones públicas así conoce a Kirsten (Lee Remick), a quien le gusta el chocolate en demasía. Se enamoran y se casan. Tienen un bebé y todo parece ir bien. Pero Joe bebe cada vez más y, lo que es peor, arrastra también a su mujer. El amor y el alcohol es un cocktail explosivo. Los dos se convierten en alcohólicos y en sus ratos sobrios piensan en cómo dejar la bebida. Se suceden momentos angustiosos, magistralmente filmados por ejemplo: al buscar la botella en el invernadero o al quemarse la casa.

Quizás prefiera la película de Willder, pero sin quitar ni mucho menos méritos a Blake Edwards, quizás sea porque Lemmon tiene una forma de actuar un poco exagerada (para mi humilde gusto) y eso que Willder le escogió en varias de sus obras maestras y reconozco que es un grandísimo actor, pero, que le voy a hacer, me pone un poco nervioso; para comedia es genial (con faldas y a lo loco) pero en un drama, me cuesta mas centrarme en aceptar su papel.


En fin, por último un par de apuntes, a destacar otra película sobre este tema, pero que no voy a comentar porque no he tenido tiempo de ver esta semana (aunque la he visto), “Leaving Las Vegas” creo que por hoy ya os he escrito un buen rollo, la comentaré en otro momento, puede que con alguna otra historia o quien sabe, pero está, es una gran película que merece un comentario desde luego aunque para mi no tiene los niveles de estas dos obras maestras.

Hay más películas sobre el tema, algunas las conozco pero no voy a comentarlas y otras las tengo que ver porque tienen muy buena pinta, una de ellas es “The wet parade” de Victor Fleming. Si alguien la ha visto y le apetece decir algo ya sabe que puede hacerlo aquí, gracias.

Un apunte músical, uno de los rockeros que siempre me han dado buen rollo acaba de sacar un nuevo trabajo, desde luego un currante y un artistazo, te estamos agradecidos, Rosendo!

Nota 8.6