12/27/2008

Bye, Bye Baby

Me temo que estos últimos días del año ando perezoso por el blog y ocupado entre festejos y comilonas así que he dejado de lado un poco mis actividades como cinéfilo, pero no del todo ¡eh!,

Espero que el 2009 a pesar de la crisis, sea un año DE CINE para todos
y que las ESTRELLAS seais vosotros, todo es cuestión de tener un poco de suerte
para montarse un año DE PELÍCULA, estoy seguro de ello y que todo irá RODADO
para mis queridos blogueros/as.

Un abrazo y muchos besos. By, bye baby ;)

12/19/2008

La Gran Familia


Parece que fue ayer cuando estaba tomando el sol en una terracita de Donosti en pleno agosto y ya estamos en la semana de la Navidad y también parece que fue ayer (para mi) cuando me ponía la bata como el señorito críspulo para levantarme a ver los regalos que los reyes me habían dejado, más o menos tendría su edad, bueno la verdad es que todavía no había nacido, pero no tardaría mas de dos años en hacerlo desde que se rodó la película “la gran familia” y no me resultan nada extrañas las escenas de esa marabunta deambulando por los pasillos con juguetes y bocadillos, chillando, arrasando los mayores a los más pequeños cual ley de la selva, porque aunque en casa no llegábamos a los extremos de ser 15, si éramos seis y si se juntaban primos, de una o dos familias se llegaba sin ningún problema a ese número. Claro alguno que otro se perdía por el camino como chencho y aunque nunca definitivamente, reconozco que una vez me intente escapar, que no perder, pero con 4 ó 5 años no pude llegar más lejos del colegio de párvulos que estaba a dos manzanas de casa, todo un mundo en aquel entonces, ¡vamos ni Juan Sebastián Elcano! , creo que la escapada era una protesta porque no quería ponerme el babi, uno que siempre ha sido presumido ;)


“La gran familia”, es la historia de una familia numerosa, con 15 hijos y el abuelo, una historia sencilla desarrollada a lo largo de un año, en la que se cuenta la vida académica de los críos y el pluriempleo del aparejador Carlos Alonso (Alberto Closas), el padre de familia que tiene que trabajar a tope para mantener a todos. Además esta el portero de la finca un señor de hablares peculiares (Pascual, Erasmo) que tiene que aguantar las travesuras de todos y en especial las de crispulo (Pedro María Sánchez). Otro de los personajes más entrañables es el Padrino, (José Luis López Vázquez), padrino de 5 de los chicos pero que en realidad lo es de todos y que es dueño de una pastelería a la que atacan los peques de camino al cole con frecuencia.

La narración del film es sencillo, el trabajo del padre, los niños en el cole, las comuniones, la madre en el mercado, las vacaciones, todo contado con un sentido del humor especial apoyado por unos cómicos únicos que hacen el largometraje especial. La historia tiene un final especial con la ya famosa escena de chencho perdiéndose en la plaza mayor, su búsqueda y encuentro, eso quedará para siempre en mis recuerdos, la dictadura apoyo esta peli ensalzando valores que le venían bien, pero lo interesante de esta película está en sus artistas, su historia, su gran comicidad y su esfuerzo en entretener y divertir al público y sin duda cada vez que la veo lo consigue.

El guión es de Pedro Maso, la fotografía muy interesante de Víctor Benítez, la dirección corrió a cargo de Fernando Palacios, quien dirigió películas muy taquilleras en esa época, como El día de los enamorados (1960), Tres de la Cruz Roja (1961), o Vuelve San Valentín (1962); musicales –con "infantes prodigio"- como Juanito (1960), Marisol, rumbo a Río (1963), Búsqueme a esa chica (1964) o Whisky y vodka (1965); Operación Embajada (1963) o La familia… y uno más (1965), por desgracia falleció demasiado pronto.

Algunas escenas son fantásticas y en especial las actuaciones de actores de la categoría de Pepe Isbert uno de los más grandes del cine español sin duda, el trabajo con los chicos según el productor Pedro Maso fue casi de autentico abuelo, las escenas con chencho y él son antológicas. Otro de los que se sale sin duda es José Luis lópez Vázquez, en uno de los personajes mas entrañable y recordado en el cine español, la escena del encuentro con la profesora de carlitos (Jaime Blanch, que tendría también una larga carrera luego), es de las más divertidas que recuerdo.

Otros actores ya consagrados como Alberto Closas, Amparo Soler Leal, Julia Gutiérrez Caba, María Isbert,dan una consistencia absoluta a la película y los chicos, practicamente todos desconocidos una frescura especial, el resultado es una historia muy directa y graciosa, que hoy contemplamos los cuarentones, al menos yo con una amplia sonrisa, porque es una comedia de lo mas animada, eso si salvo los minutos que desaparece chencho , uff, ¡¡que drama!!!


En fin, espero que disfruteis de una feliz Noche Buena y no menos interesante Navidad, a los que estas cosas no os gustan, que se pase rápido, quizás con alguna de las peli que teneís por aquí, no, no de navidad claro, jeje...
y para todos, como decía ET, sed buenos, estaré aquí mismo!!!

Nota 8

12/13/2008

Kramer contra Kramer


La verdad es que cuando llega la Navidad la gente se divide en dos frentes los anti y los pronavideños, evidentemente como Capriano que soy, estoy en los últimos, pero reconozco que hay algunos puntos engorrosos, como la pasta que la gente se deja en regalos absurdos, las comilonas salvajes, y las tensas reuniones familiares que a veces desunen mas que unen, desde luego hay otros puntos negativos, pero también los hay positivos y muchos, y me quedo con ellos siempre, no puedo evitar sentirme feliz viendo a un peque aplastando la nariz contra un escaparate o arrugando con sus deditos los catálogos de regalos de los centros comerciales, pero sobretodo viéndoles abrir los regalos el 24, 25 o el 6 de enero, también hay otras reuniones de amigos y familiares, 24, 31 y días especiales...pero claro hay familias y gente que pasan por situaciones especialmente duras, las que han perdido un ser querido o las que se acaban de divorciar, en ese contexto me vino a la memoria una película de finales de los 70, Kramer contra Kramer, una historia bastante común pero contada con habilidad y sensibilidad.

La película fue dirigida estupendamente por Robert Benton en 1979 y obtuvo un éxito de taquilla espectacular así como un montón de premios y Oscars, hoy sigue teniendo vigencia y funciona bien pues el tema sigue de plena actualidad, aunque quizás el filme no tiene tanta fuerza. El Guión es del mismo director, la fotografía de Néstor Almendros y la música de Herb Harris.


La historia comienza con Ted Kramer (Dustin Hoffman) en la agencia de publicidad ganando una cuenta, a costa de trabajar hasta altas horas de la noche y perdiendo por la noche a su mujer Joanna (Meryl Streep) que decide abandonar el hogar conyugal y a su hijo a pesar de quererlo, por no aguantar la situación de sentirse una chacha, diciéndolo vulgarmente. Él parece no entenderlo, quizás no habían hablado de ese tema, pero no hay vuelta atrás y tiene que aprender a cuidar a su hijo y a trabar como antes, eso se vuelve casi insoportable, durante 15 meses lo aguanta como puede y de repente Joanna se da cuenta que quiere tener a su hijo, se lo pide a su ex, Ted y surge una pelea en los tribunales, una pelea que ninguno de los dos quiere, al menos de la forma que la plantean los abogados.
El hombre es el malo y la mujer la buena, eso parece dictar la ley de manera inexorable, pero la película parece querer dar otro final, y los dos kramer también, los dos sólo piensan en su hijo.

La verdad es que en esta película claramente se nos posiciona a favor de Ted, al menos eso creo, el final podría ser un happy end, pero no lo sabemos, (bueno supongo que un happy end sería que se reconciliara la pareja) Joanna aparece como una mujer inestable que de ningún modo se merece tener el niño, pero la verdad es que tampoco sabemos nada de su vida y por desgracia no aparece más en la peli, porque esta muy bien pero aparece poco. Posiblemente sea mas original plantear esta situación en la que es el padre quien se queda cuidando del niño y la madre abandona y luego pide la custodia, pero no creo que eso sea muy normal, normalmente tras la separación los dos pedirían la custodia. Sin duda mi escena favorita es una doble, la de las tostadas francesas, cuando acaba de dejarle Joanna a Ted y le hace el desayuno a su hijo y luego cuando esta a punto de despedirse de su hijo porque perdió la custodia y ya hace unas tostadas perfectas, ¡¡¡además dan unas ganas de hacerse las tostaditas!!!


Por lo visto la peli duraba casi tres cuarto de hora mas, menos mal que recortaron, porque no hay nada como una historia bien contada y en su justo tiempo, pocas pelis se pueden permitir pasar de las 2 horas, las obras de arte como “el padrino”. pero eso es otra historia..., ésta está muy bien, pero sin pasarse tampoco, Esperemos que las historias familiares de la gente no se estropeen estos días. Eso si mientras no recorten las películas como la RAI vamos bien, es que esto me ha recordado a los tiempos que mencionaba Guissepe Tornatore en Cinema Paradiso , desde luego no soy padre pero preferiría que los chavales vieran una peli como Brokeback Mountain al señor Berlusconi diciendo tonterías, en cualquier caso no se iban a enterar de nada, la tele no es nutritiva por mucho que digan los Aviador-Dro, a pesar de ello les iré a ver el sábado que viene.

Nota 7.8

12/05/2008

La última película


Esta semana tampoco abandonaré el blanco y negro, aunque me adelantaré casi 40 años, hasta 1971. La peli de la que quiero hablar es un relato amargo y triste sobre la decadencia y abandono de un pueblo perdido de Texas en los años 50 y la historia de dos chavales, esta historia podría haber ocurrido en un pueblo perdido de la geografía española; quien sabe como hubiera tratado el tema Buñuel o Berlanga, por ejemplo. El caso es que hoy parecen repoblarse pueblecitos perdidos con eso del turismo rural, el otro día veía como una pareja londinense era feliz en una parcela de una villa perdida en Galicia, cambiaron unos ridículos metros cuadrados por la felicidad del campo, yo todavía no he llegado a eso pero tiempo al tiempo.


La película la dirigió Peter Bogdanovich en 71, se basaba en la novela de Larry McMurtry y entre ellos, James Lee Barrett y Polly Platt, escribieron el guión. La fotografía corrió a cargo de Robert Surtees y el que se rodara en blanco y negro fue un consejo de Orson Welles, sin duda le da mas impacto y dramatismo a la cinta. La historia se localiza en un pueblecito semificticio de Texas llamado Anarene y gira alrededor de la amistad entre Sonny Crawford (Timothy Bottoms) y Duane Jackson (Jeff Bridges)


Sonny y Duane son grandes amigos que viven en un pueblo destartalado, a Sonny su chica no le termina de convencer prefiere la de Duane, una pija creida y calentona que esta bastante bien, Jacy (la debutante Cybill Shepherd), así que acaba rompiendo con la pobre novia. Sus diversiones son los billares y el cine propiedad de Sam, el león (Ben Johnson) auténtico espíritu del pueblo. Parece que en un momento de la película todo empieza a estropearse; las estupendas fiestas escolares, con striptease incluido de la pija del pueblo, las diversiones, incluso Sonny que había encontrado un rollo, Ruth Popper (Cloris Leachman), la mujer del profesor de gimnasia (como si se tratara de la peli del graduado, anterior a esta peli porcierto) para olvidarse de su antigua novia y Jack la pija, al final también se estropea y todo parece salir mal. El punto de inflexión sin duda es la muerte de Sam, el león, defensor del chico retrasado al que cuidaba y que al final de la película también muere.

Ciertamente parece como si toda la pelicula tuviera un cierto aire deprimente, negativo o pesimista, acentuado por el B/N y las tomas polvorientas y vacías del pueblo, ese es también su encanto y acierto, en contraste con unas películas rodadas en cinemascope y a todo color en esos años. Algunas escenas son especiales, llenas de sensibilidad, el reproche de la mujer del entrenador a Sonny por tratarla tan mal, el final con la muerte del chaval, es la muerte del pueblo, o la conversación de Sam, las escenas de cine con ese homenaje a Río Rojo y Howard Hawks, que es además la última película, un buen final sin duda, claro que ya sabeís que yo soy optimista por naturaleza y por eso me quedo al final con un pequeñísimo mal sabor de boca ya sabeís ... ¡el show debe continuar!

7.8

11/29/2008

Tiempos Modernos


La semana pasada me refería en “el Dormilón” a una de las mejores películas de siempre, “Tiempos Modernos”, sin duda una de mis películas favoritas de Chaplin, junto con El chico (la que más), o “El Gran Dictador”, “La quimera del oro”, y cortos de sus comienzos, etc. Quizás “Tiempos Modernos” sea especial por ser una película con destellos del cine sonoro y la lucidez del cine mudo que todavía conservaban muchas películas todavía, una mezcla interesante; además se mezcla con ingeniosa habilidad la tristeza de la depresión de los años 30 y la comicidad de Chaplin, en cualquier caso él controlo completamente la película; desde la producción y realización hasta la dirección y como no protagonizando el papel estelar, el de Chaplin; curiosamente el famoso vagabundo, como tal personaje actuaría por ultima vez en esta película.

Otros actores que acompañarían a Chaplin fueron Paulette Goddard, quien estaba realmente guapa en esta película (quizás el pelo liso le favorecía más que los tirabuzones pero es lo que se llevaba en la época, jeje) y también puede que influyera su relación sentimental con Chaplin en ese momento; Henry Bergman, un clásico que acompaño al vagabundo (es el dueño del restaurante), Stanley Sandford y Chester Conklin (aquí sale como maestro de mantenimiento y chaplin de ayudante dándole de comer en la fábrica entre tuercas gigantes).




La película esta rodada con una meticulosidad total, cada detalle esta estudiado a la perfección, el guión se comenzó a escribir unos tres años antes y escenas como la de la fábrica tardaban en rodarse al menos un mes. Evidentemente no se dejaban las cosas al azar y casi todo tiene su simbolismo. Incluso el mismo personaje de Charlot no aparece como tal en toda la película sino al final, en la primera parte realmente es un obrero que intenta adaptarse al mundo moderno, aunque fracasa en el intento y en una segunda parte es un preso, luego hay otras historias dentro de la película en las que surge de nuevo
Charlot, como empleado en una tienda, como compañero de la vagabunda y en el restaurante, son dos personajes diferentes siendo el mismo.



Para los que no recuerden muy bien la película recordaré un poco que la misma comienza con Charlot en una fábrica -con un look mas bien modernista, que recordaría a metropolis, con televisores y una limpieza inmaculada- y nuestro amigo apretando tornillos en una cadena de obreros mecánizados, le usan como conejillo de indias para probar una maquina de alimentación mecánica para ahorrar tiempo, además de agobiarle con acelerar el proceso productivo acelerando el trabajo, al final enloquece y le acaban encerrando en el loquero. A la salida acaba en una manifa por equivocación y le encierran en la cárcel, tras cometer un acto heroico con ayuda de un “salero” su vida es maravillosa pero deciden que ya es apto para la vida en la calle.

Intenta trabajar pero es demasiado original para la vida mecanizada y rutinaria de la gente normal así que decide volver a la cárcel, así que ayuda a una huérfana culpándose del robo que cometió ella, al final los dos están solos en un mundo terriblemente duro que no les da ni un sitio donde dormir ni trabajo, pero parece que en por un momento Charlot consigue un buen trabajo en unos almacenes, pero sólo dura un día y tiene que volver a la cárcel. A la salida ella a conseguido un trabajo de bailarina y también le consigue un trabajo a él, cuando las cosas parecen salir adelante la policía descubre que ella tiene que ser detenida por vagabundeo y escapan, ella llora pero él la hace reir.


Posiblemente se inspiro en la película ¡viva la libertad! (A nous la liberté) de René Clair de 1931, o al menos plantean el mismo problema del paro, la explotación de los trabajadores y el taylorismo (mas o menos es descomponer el trabajo según rendimiento y tiempo). En cualquier caso la cinta es algo más que una crítica al sistema productivo capitalista e incluso a los poderes públicos, sólo hace falta ver como actúa la policía frente a los obreros por ejemplo; es una obra de arte que va mas allá, con un contenido evidentemente social pero también poético y con un canto a la esperanza y con una buena dosis de humor e ironía, que es lo que hace grande e inteligente a esta película.

Y es que cuando uno ríe, llora, se agobia, enternece, aterroriza, asombra, enfurece…y ve que esos 90 minutos han pasado como si fueran 90 segundos sabe que acaba de disfrutar de una obra maestra.

¡¡Viva Chaplin!!

Nota 9.4

11/22/2008

El dormilon


Espero no haber contraído la enfermedad del insomnio de la que hablaba G. García Márquez en su novela 100 años de soledad, el caso es que ando durmiendo muy poco últimamente, eso si para ver pelis esta bien. Una de las últimas que he visto es la divertidísima “El dormilón”, protagonizada y dirigida por Woody Allen en 1973 un año después del Padrino; junto a él actúa como actriz principal Diane Keaton que fue una de las protagonistas femeninas en el Padrino y que formo parte de películas fundamentales de Woody Allen (y de su vida) como en Annie Hall, Manhattan,

La última Noche de Boris G. o Días de Radio, evidentemente su carrera no esta sólo en el circulo de Woody, basta recordar pelis como “Rojos” o la última la que vi hace un par de semanas, “Tres mujeres y un plan” una comedia tontorrona pero graciosa donde la mejor es ella sin duda, igual de mediocre que la última de Woody aunque la critica la ponga bien, a mi no me gusto nada la historia, sin embargo esta vez se salva Penélope.


Pero vamos a ser buenos y a portarnos bien, que quizás el insomnio me hace refunfuñar. La historia del dormilón se refiere a un tal Miles Monroe (Woody Allen) quien tras operarse en 1973 de una úlcera, sufre complicaciones y es congelado. 200 años después un grupo de rebeldes decide descongelarle ya que precisan una persona sin identificar para derrocar al líder del planeta el cual parece que ya ha sufrido algún atentado. Miles no es que digamos un héroe y se resiste, intenta escapar y acaba escondido en casa de una especie de poeta moderna, Luna (Diane Keaton), disfrazado de robot, ella le descubre y le denuncia pero acaba siendo arrastrada a la rebelión.

Miles secuestra a Luna y aprenden a vivir en cautiverio, comiendo frutas gigantes y escapando en un Volkswagen Sedan del siglo XX. Miles intenta hacerle el amor pero las personas del siglo XXI son frígidas y necesitan el orgasmatron, una maquinita virtual. En estas Miles es capturado y se le lava el celebro pero la resistencia logra capturarlo y restaurarle la memoria para entonces se da cuenta que ¡el jefe de la guerrilla le ha tirado los tejos a su chica!, a pesar de ello Miles se la lleva para averiguar que es el proyecto AIRES, motivo por el cual se le descongelo. Entran disfrazados de médicos y averiguan que el proyecto consiste en clonar al líder a través de la nariz, único miembro que queda después del último atentado. Miles consigue aplastar la nariz con una apisonadora y huye con su chica.


Parece que la idea de Woody era hacer un film de 4 horas y subdividir la proyección en dos mitades. La primera sería la vida de Miles Monroe en el presente, dueño de un establecimiento de "comida sana", y clarinetista (1973) y la otra mitad en el futuro (año 2173), las dos partes se presentarían en una misma función con un intermedio. Se trata de una comedia que retoma a los clásicos como referencia, y además tiene partes de ciencia ficción, algo completamente distinto a otras comedias suyas, bueno quizás algo de ficción tenemos en “La rosa púrpura de el Cairo” claro. 

En cuanto a la referencia a los clásicos es indudable ese homenaje, en especial el de Chaplin con la escena de la Máquina y el lío con la cinta al igual que en “Tiempos modernos”, o las escenas de médicos tan ácratas que me recuerdan a los grandiosos hermanos Marx en “Un día en las carreras”, también esa cocina ultramoderna del inolvidable Jacques Tati en Mi tío, o las perdidas de papeles de los fantásticos Stan Laurey & Oliver Hardy, como cuando estrella el Volkswagen, o escenas parecidas con Buster keaton, además está el lado científico, en ese plano creo que nadie podría dejar de lado las referencias a “Un mundo feliz” o la voz de la maquina de 2001, HAL-9000, en la V.O. es la misma.

Por otro lado están los decorados pop y vanguardistas de la época, o la arquitectura de los edificios, la maravillosa máquina del orgasmatron y esa cara de felicidad con la que sale woody, jaja lo habría ensayado antes con Diane. En fin un peliculón para tener bien guardadito en la Videoteca, una de esas comedias ácratas y divertidas sin remedio que me encantan..

Bueno ya veremos que tal duermo la semana que viene, mientras tanto iré al cine o a escuchar grupos tan interesantes como las Furias el sábado pasado, Hair Ladies el viernes, Christina Rosenvinge hoy o Glutamato yeye la semana que viene, grupos cercanos de una forma u otra.

Nota 7,8

11/15/2008

El padrino II y III


No podía dejar sin comentar las otras dos películas de la trilogía de “El Padrino”. Parece claro que F. Coppola estaba en un momento espectacular y quería aprovecharlo. La segunda parte de “El Padrino” para algunos es incluso mejor que la primera, es una discusión algo absurda, pero como siempre le gusta a la gente que uno se moje pues lo haré por la primera, por ser la que abre la brecha y con ello la más original, porque sin Brando no habría Padrino, y porque uno es un clásico que cree en los flechazos a primera vista. Pero desde luego la segunda parte es una maravilla, especialmente me gusta ese cambio en la narración, una forma valiente y arriesgada de variar la formula lineal (en cuanto a temporalidad) que había sido exitosa en la primera parte.


Procuraré ser breve, ya que analizar estas dos partes podrían resultar eternas. El comienzo de “El Padrino II” ya nos sitúa en una doble situación temporal, la de comienzos del Siglo XX en Sicilia, donde un joven Vito Andolini –Corleone- (Robert de Niro) es testigo del asesinato de su madre, es perseguido por Don Ciccio para ser asesinado y huye a Ámerica; por otro lado nos situamos en los finales de los 50 en la comunión del hijo de Michael Corleone, el Don (Al pacino) tiene negocios en Cuba con Hyman Roth (Strasberg) y problemas con la comisión investigación del Senado.

Los negocios a comienzos de siglo XX se solucionaban sin problemas de conciencia, en tonos sepias, en una Little Italy que prosperaba junto con los asuntos de Don vito una vez eliminada “La Mano Negra”, también vuelve para resolver los lios pendientes con Don Ciccio. Mientras en la Ámerica coloreada de los 60 los problemas de conciencia parecen afectar mas al proceder de la familia, al menos aparentemente, aunque el Don es atacado en su propia casa, y éste lo descubre, al final lo pagan todos, su mujer pierde voluntariamente el hijo que esperaba y abandona el hogar, el intocable Hyman Roth es asesinado o alguien mas difícil de perseguir, alguien casi sagrado pero que resultó ser culpable, alguien de la familia es acusado y tras morir la madre de Michael...

No se si es que me encanta la época de comienzos del siglo XX y Nueva York, pero los momentos de Flash back con Robert de Niro me resultan alucinantes, de lo mas grande, escenas como el asesinato de “La Mano Negra”, o cuando esta con su mujer y el niño malito, o cuando dice “Me llamo Vito Corleone, mi padre se llamaba Antonio Andolini... y esto es para ti.” son inolvidables con ese carraspeo de voz imitando como si comenzara un joven Vito (Brando) y sus gestos, claro que tampoco esta nada mal alguna secuencia de Al Pacino, ese beso a su hermano quedará también para la historia del cine.

Nota 9.6


Creo que nadie duda que la tercera parte es la más flojita de las tres, era mucho pedir que se aguantara el nivel sin duda, pero ¿quien se resiste a quedarse sin ver el desenlace de la trilogía? Es curioso por otra parte ver a la hija del director Sofia Coppola (haciendo de hija del Padrino) aunque justamente este hecho es el que mas le recrimina la critica, bueno tampoco actúa tan rematadamente mal pero frente a Al Pacino o Robert de Niro pues canta mucho su actuación. Esta basado en parte en hechos reales como la muerte del Papa Juan Pablo I y la polémica del Banco Ambrosiano. Se vuelve a la narración lineal sin flashback. En esta parte veo a la “sección femenina” mas redonda en su actuación, no se si sería el director o ellas sobre todo Diane Keaton y Talia Shire, pero igual es mi punto de vista.

La tercera parte comienza como las otras dos, poniendo a la familia Corleone en intimo contacto con la Iglesia Católica, en este caso Michael Corleone dona 100 millones de Dolares para limpiar su apellido e introducirse en negocios con la Iglesia en International Immobiliare un negocio “Divino”, en el que como siempre hay celosos que les impiden salir adelante como Lucchesi y Keinzig y las demás familias que quieren su parte, así que se reúnen todos y casualmente estalla la refriega en este caso el que enciende la mecha es Zasa y Altobello quienes solo consiguen que escape Michael Corleone, este con la ayuda de su sobrino Vincent Mancini -hijo de su hermano Sonny- (Andy Garcia) se enfrentaran a una lucha sin cuartel donde la Iglesia tendrá mucho que decir. 

Los problemas familiares parecen solucionarse, por un lado la vocación musical de Anthony (hijo de Michael) parece seguir su curso natural, no desea estudiar derecho y mucho menos seguir los negocios ni los pasos del padre, otro es el amor desmesurado de Mary por su primo Vincent y el último la relación desde hace mucho apagada del matrimonio Corleone vuelve a resurgir, todo se apaga cuando bajan las escaleras de la casa de la Opera de Sicilia.

El final es soberbio, bueno es una larga terminación, porque como en las otras dos partes, tiene una manera parecida de despedirse, violentamente y luego con un corto epilogo mucho mas suave y sutil. Esas escaleras me recuerdan a las de los intocables de Eliot ness con un Andy Garcia también soberbio, ah claro y, salvando las distancias a esas grandiosas y dramáticas escaleras de El Acorazado Potemkin !!!

Nota 8.5

11/08/2008

El Padrino


Llevaba mucho tiempo intentado escribir sobre esta obra maestra, pero entre unas cosas y otras no he podido. Ayer vi la primera parte de esta trilogía. La verdad es que desde que fui al cine por primera vez hasta ayer no sé cuántas veces la habré visto pero sigo disfrutando y descubriendo algún detalle nuevo. La verdad es que decir si es la mejor, una de las 10, 20, o 30 no me quita el sueño, pero si se que es de las elegidas por mi a ser vista cada uno o dos años, el por que considero que es tan grande, pues cada uno tendrá sus razones. Quizás sea la forma tan descomunalmente inteligente de narrar la historia, intercalando momentos tremendamente duros con otros emotivos, unos cortos con otros largos pero todos en perfecta sincronía; hasta la historia en sí, todo un estudio de la sociedad americana de los 40, de las familias, los negocios, de las debilidades humanas, los odios...una versión actualizada de "El rey Lear", de Shakespeare.

Para los menos analistas simplemente gozar de la actuación de Marlon Brando en el papel de “El Padrino” sin el cual simplemente no existiría la trilogía, u otras tan fantásticas como Al Pacino (Michael Corleone) haciendo una metamorfosis impresionante de niño bueno a implacable Padrino, o Robert Dubai (Tom Hagen) el frío consejero y abogado a la par que hermano adoptado, un papel a la sombra de los dos principales pero que me fascina, junto a ellos un sin fin de tipos duros y sus mujeres parte absolutamente fundamental en la película.


La película fue dirigida por Francis Ford Coppola en 1972, fue la primera de una trilogía, la semana que viene seguramente escribiré sobre al menos la segunda película. Esta basada en el libro homónimo de Mario Puzo.

Como ya he comentado y es fácil suponer, me parece una de las más grandes películas de todos los tiempos, una virtud de cualquier película es enganchar al público desde el comienzo (a mi modesto entender, otra es un final sublime, de esto hablaré luego)

El comienzo, podría parecer largo, como la película pero esta perfectamente calculado. La película comienza con una boda, la familia y la religión son fundamentales para todo siciliano, con ello además se aprovecha para presentar a todos los personajes importantes, que son recibidos por Don Vito Corleone. Además se puede comprobar el poder del padrino y el respeto que le tienen en la primera entrevista con Bonassera y el primer altercado que hay con el FBI.

Todo parece ir tranquilo, las 5 “familias” se respetan, pero Sollozo, El turco, un capo siciliano que trabaja para los Tattaglia quiere negociar con Don Corleone, para que ente le proteja legalmente en sus negocios con la heroína, para Don Vito ese es un negocio sucio.

Sollozo trata de asesinar al Padrino y casi lo consigue, cuando Michel el hijo de Don Vito va a visitar a su padre se da cuenta que está desprotegido cuando se suponía que debía estar vigilado por el capitán de la Policía McCluskey. Después se descubre que McCluskey es un policía de dudosa moralidad, pagado por "El Turco". Michael llama a Sonny para enterarlo de la situación. Logra cambiar a su padre de habitación y protegerlo de los sicarios, pero es arrestado por McCluskey, el capitán de policía, esbirro de Sollozzo, le pega un tremendo puñetazo. Justo entonces, Tom Hagen llega con detectives privados y resuelve la situación. Michel matará a Sollozzo y McCluskey y huye a Sicilia.

Alli conoce a Apollonia con quien se casa, pero es asesinada cuando intentaban matarlo, el odio crece en el todavía más y el chico bueno desaparece por completo, su hermano Sonny (James Caan) también ha sido asesinado, tras la paz firmada por las “5 familias” Michel regresa a NY.
Estando mayor Don Vito obtendrá Michel el cargo de Padrino, descubrirá que Brazzini quiere asesinarle, también esta en su contra , Moe…

El final es apoteósico, durante el Bautizo del hijo de Michel , en el que se van combinando estrofas en latín con la “justicia divina de la familia corleone, que fulmina a las otras 4 familias, van cayendo implacablemente con un tiro en el ojo, o atrapados en las puertas giratorias, a la salida de un ascensor o en la cama con una puta; tras decir amen el cura la familia Corleone se vuelve la mas poderosa, mas o menos como “A Dios rogando y con el mazo dando”, un final bestial.

Para terminar, como siempre comentar alguna anécdota, en este caso, hay muchas quizás, una muy curiosa es la de la protagonista mas joven, que es la hija del propio director, si Sofía Coppola que luego sería futura directora de cine aquí hace de bebe (Michael Rizzi) en el bautizo.

Evidentemente la Fotografia de Gordon Willis y la música de Nino Rota también hay que mencionarlas y sobretodo ese tema tan triste y melancólico que se hizo tan popular. Es posible que se diera una visión demasiado amable de "la familia", esa fue una de las criticas que se hicieron, de todas maneras no se debe confundir el cine con la realidad.

Como diría Don Vito...”puede que no te guste mi crítica u opinión, esto es un país libre, pero quizás tengas un accidente, no es personal es cuestión de negocios” ;)

Nota 9.7

10/31/2008

La invasión de los ladrones de cuerpos


Estamos en un mundo lleno de miedos, como el de ser invadidos, ya en el año 38 el señor Orson Welles armo una buena con su obra radiofónica “La guerra de los mundos”, hace 70 años, entonces se trataba de marcianos, poco después llegarían los Nazis estos por desgracia no eran una creación literaria ni radiofónica, finiquitados estos los comunistas ocuparon su lugar. Ahora los integristas islámicos están en el punto de mira, quizás el próximo malo sea el nuevo imperio asiático, aunque para los “buenos yanquis” también el enemigo está en casa según joe el fontanero , pero la democracia tiene la última palabra aunque le pese a él y a los republicanos. Algunos buscan amigos donde sea para estar entre los primeros de la clase, para liderar la lucha contra otros enemigos más difusos como la crisis, creados por los estudiantes “golosos”.

Después de esta parrafada, espero que me quede algún amigo que quiera seguir leyendo lo que realmente es interesante, esto es, la estupenda peli "La invasión de los ladrones de cuerpos".

La pelicula que nos ocupa, es una maravilla de la ciencia ficción, dirigida por Don Siegel en 1956, basada en un relato de J. Finney con el cual se desarrollo el guión por parte de Daniel Mainwaring quien tendría sus problemas en la época de la “cazade brujas”. Aunque se trata de una película de ciencia ficción tiene también características de las películas del cine negro o del cine de suspense e incluso de terror, en definitiva una estupenda película eso si de bajo presupuesto, o serie B pero no por ello igual de espectacular.

La acción transcurre en Santa Mira, una pequeña ciudad ficticia de California, en 1956, Miles Bennel (Kevin McCarthy) ejerce allí como doctor y tras regresar de un congreso médico comenzará a percibir situaciones muy extrañas. Un niño no parece reconocer a su propia madre, quien se comporta sin sentimientos hacia él y su amiga Wilma (Virginia Christine) duda sobre la identidad de su tío. Miles, con la ayuda de Becky (Dana Wynter), su antigua novia, comenzará a investigar estos extraños asuntos, por la noche le llama Jack un vecino y comprobará que en su casa hay un cadáver con un parecido asombroso al de Jack.

Los problemas irán subiendo de tono hasta un par de momentos cumbres, como cuando descubren en el invernadero unas vainas gigantes con unos cuerpos creciendo dentro o en el que Miles besa a su antigua novia, ella ha dejado de ser humana y esta sólo...necesita ayuda.

Es posible que no se expliquen ciertas cuestiones como de que forma llegan las vainas allí (se dice que por unas semillas del espacio nada mas) o que ocurre con los cuerpos originales al ser clonados y otras preguntas mas o menos previsibles, pero sin duda además de tener fáciles soluciones alargarían el relato y bajarían el tono de suspense probablemente, hoy les encanta a muchos directores explicarlo y enseñarlo todo, no estoy de acuerdo.
Se ha comentado siempre que se trata de una película antimacartista y anticomunista, por la sencilla razón de defender básicamente los valores del pensamiento individual y libre frente a los de una autoridad sin ningún tipo de escrúpulos y una masa sin sentimientos que sólo sabe obedecer, este mensaje era claro, por ejemplo en la España de Franco se prohibió la película en los cines, llegó a la televisión en los años 70.

Sin permiso de Siegel se introdujo un prólogo y un epílogo, narrando la historia con la técnica del flashback, esto seguramente le quitaría algo de fuerza al misterio de la resolución de la historia al dar un final presuntamente feliz. Es interesante destacar tanto la música de Carmen Dragon y la fotografía de Ellsworth Fredericks sin duda fundamentales para ambientar cualquier situación de suspense. Philip Kaufman hizo un remake "La invasión de los ultracuerpos"; en el 93, Abel Ferrara realizó otro, "Secuestradores de cuerpos", y en 2007 se ha hecho el tercero "Invasión", sin duda esto explica lo grande de la primera película.

Dos últimas anotaciones: el sábado pasado se presento la película de un buen amigo, Angel de la Cruz; Los muertos van deprisa, le deseo un éxito terrorífico ;).

Mirar estos días debajo de la cama, no sea que alguien os hubiera puesto una lechuga gigante ;)

Corregi el título en castellaño, ya que puse la traduducción del 78, como bien apuntaron por aquí xabi, Alberto...prefiero la del 56 ;), sería quizás recomendable poner el título en inglés para evitar estos lios, gracias.

Nota 8.5

10/23/2008

Comenzó en Nápoles- "Capri"

Comenzó en Nápoles mi viaje de placer hace ya muuuchos días, el Sábado 11, a primera hora de la mañana comenzaba la visita por la ruidosa ciudad de Nápoles, lo primero que me impactó fue ver tal cantidad de motos deambulando por todas las direcciones, caminos y sentidos posibles, con uno, dos o tres ocupantes y llevando objetos tan dispares como guitarras, escaleras o animales. El ruido, la basura y la ropa tendida en las fachadas también chocan al turista medio, aunque tras unas horas uno se acostumbra rápidamente y se siente bien, aunque quizás no tanto como para vivir allí. Tras el primer día agotador visitando zonas de lo más variadas como la catedral o San Gregorio Armeno (una calle donde se venden figuritas y objetos para los belenes) nos damos el lujo de una cena en una zona pijita al lado del Castel dell'Ovo. Al día siguiente nos espera una buena paliza para ver las ruinas de Herculano Pompeya y subir al Vesubio, y por la noche una vuelta más por Nápoles el taxista nos puso la canción de la peli que comento hoy Tu Vuo Fa l'Americano, ¡¡y nos quería cobrar por eso un plus de 5 euros!!!,

El lunes tomamos un ferry para la bella isla de Ischia, a un hotel de agroturismo, como todos a los que fuimos hasta Roma, en esta Isla nos dimos un homenaje de piscinas con aguas termales y playa, un día tranquilo ya que al siguiente nos esperaba Capri al que fuimos en otro barquito, y allí nos dimos una paliza para ver “Villa Jovis”, la Villa de descanso de Tiberio que esta muy mal cuidada y sucia, hay que andar 2,5 km, como poco, en fin. Otro timo es la gruta donde se bañaba el emperador, te cobran por la lancha que te lleva 11 euros (o mas) y 10 euros por una barquita que te mete dentro unos 3-4 minutos, antes hay que esperar una cola de 30-45 min para entrar, eso en octubre!, así que pensároslo si andaís mal de tiempo. La isla tiene unos acantilados preciosos que seguro que son maravillosos y que tienen unas calas estupendas (aunque es posible que la mayoría privadas), antes que hacer el chorra con estas tonterías de turista yo me pasaría el día en una calita o paseando y relajadito (es una recomendación, jeje)

Después de esto debíamos recoger en Sorrento una furgoneta para 8 a las 6 pero no nos la dieron así que tuvimos que ir al albergue cerca de Furore (en la Costa Amalfitana) en taxi (que se supone nos pagará la empresa de alquiler de la furgoneta), ya casi a las 10 con lo que nuestros planes de parar de camino en Positano y cenar allí se esfumaron y sólo pudimos recorrer la costa y ver, eso si con luna llena, un paisaje espectacular, digno de repasarlo de día y quedarse por allí al menos uno o dos mas, los pueblecitos con sus casitas y cultivos inclinados vertiginosamente por las verdes montanas mostraban un paisaje espectacular. A la mañana siguiente marchamos a la región de Calabria ya que se demandaba un poco de playa y visitar el sur y al atardecer nos dirigimos hacia Matera, hacia Bari, pero sin llegar, en la región de Basilicata.

Matera es famosa por los Sassi, unas cuevas de la prehistoria usadas como vivienda sucesivamente a lo largo de los años, y que en los 50 el gobierno decidió hacer un plan de reestructuración, porque la gente vivía con animales dentro de manera poco saludable, hoy es un sitio de gran interés turístico, también por las iglesias y por el aspecto antiguo y árido es perfecto para localizaciones cinematográficas, allí se rodó; El Evangelio según San Mateo, de Pasolini (1964) o La Pasión de Cristo, de Mel Gibson (2004). Después de dos días en esta bello rincón llegó ir a la Ciudad Eterna, pero estábamos bastante lejos así que llegamos por la tarde, vamos que teníamos mas o menos un día como Audrey, para visitar la ciudad y más o menos hicimos el mismo recorrido, pero por la tarde-noche: la plaza de España, o Navonna, Fontana di Trevi etc. Por la mañana la cosa fue mas cultural, un poco del Vaticano (sólo la basílica y exteriores), el palacio de San Angelo a primera hora después de un refrigerio, El Coliseo y Foro Romano por fuera y dentro hasta las 5 de la tarde que fuimos al aeropuerto.


Bueno esta es mi historia y la historia paralela cinematográfica de “Capri” también comenzó en Nápoles, (en inglés titulada "It Started in Naples") con mucho ruido, aunque es bastante más romántica, claro que el protagonista viaja sólo y no acompañado por 7 amigos, eso puede resultar mas divertido pero menos interesante para alguna aventura amorosa jeje.

Pero centrándonos en lo serio diremos que esta cinta se rodó en 1960 en pleno comienzo del boom turistico, la dirigió Melville Shavelso y en ella actúan ni mas ni menos que Clark Gable, Sophia Loren y Vittorio De Sica que mas se puede decir. Es cierto que no es una obra de arte pero tiene un humor própio de la época y el lugar que la hacen especial.


La película comienza en Nápoles donde llega un estirado abogado de FiladelfiaMike Hamilton (Clark Gable), para hacerse cargo de la herencia de su hermano, se siente muy molesto por la ruidosa y espontánea vida nocturna de Capri. Pero le espera una sorpresa aún mayor cuando descubre que su difunto hermano le ha dejado una herencia viva, el niño Nando (Marietto Angeletti) que ademas será quien le guíe a la casa de su tía materna Lucía Curcio (Sophia Loren), el niño de 10 diez años es rebelde y fumador empedernido. Y por si no fuera suficiente, se inicia una auténtica batalla por su custodia entre el visitante americano y la tía del chico (Loren), una cantante de club nocturno que sueña con llegar a ser una estrella del cine, Mike cuenta con los servicios del abogado italiano Mario Vitale (Vittorio De Sica).

Se muestra a Sophia Loren en todo su esplendor, bellisima y a un Clark Gable muy mayor, poco después de esta peli moriria, asi que dificilmente es creible el romance, aún así estos dos grandes genios de la interpretación nos hacen sonreir y pensar en el romance de una desdichada y romántica italiana y un prático y maduro américano en un paisaje único sin duda, en eso las cámaras no engañan nada. La picaresca esta a flor de piel en esto tampoco han cambiado los italianos, y sus mujeres tienen todo el atractivo y carácter própio del clima mediterraneo idealizado quizás en exceso como siempre en las peliculas, pero ¡¡que sería de la vida y del cine sin un poquito de imaginación mama mia!!

Nota 6.5

10/10/2008

Las uvas de la ira


Hoy la palabra de moda es crisis, aunque parece superficial hablar de moda con esta palabrita, el caso es que cada cierto tiempo aparece la famosa crisis y es que ya se sabe que todo lo que sube, baja y además engancha. El problema es que la crisis al final afecta a los de siempre, a los más débiles, al parado, al pobre, al que tiene una hipoteca ó unos pocos ahorros, vamos que por cada pez gordo que se axfisia (si así ocurre) son atrapados miles o millones de pececillos inocentes, y es que ya no cabe esa actitud honesta del Capitan fiel a su tripulación que permite que se salven los demás y cargar él con las responsabilidades incluso con su vida, o el fiel General, como Custer que muere junto a sus soldados con las botas puestas en lugar de huir ó ver el combate desde una colina sintiendo las flechas silbar a lo lejos. Y es que hoy los mandatarios de las grandes instituciones financieras en quiebra que se enriquecen con los pobres parecen ser unos cobardes que no asumen sus responsabilidades.

Y los gobiernos destinan montones de dinero público (nuestro dinero) a salvar a esas instituciones podridas por la avaricia para salvar al sistema, un sistema ficticio dirigido por los poderosos, que por un motivo u otro nunca pierden, ya se sabe cuado toca cero, la banca gana, por no hablar de las grandes ideas como prohibir a los hombres o coches anuncios digo yo que si son pobres, que es cuando se pierde la dignidad, porque parece que los ricos a el ayuntamiento no van a perder la dignidad por se anunciantes no o que va a pasar con esto y esto y esto y esto y …vamos hombre!!!

Pero dejemos la economía a los sabios, y vayamos al cine, con una película que refleja otra crisis, la de los años 30 en Estados Unidos. La película es “las uvas de la ira” que dirigió magistralmente en 1940, en plena depresión el gran John Ford que desde luego, no sólo hacia enormes westerns sino también otras como esta, con un marcado contenido social, a pesar de su ideología republicana.

La sociedad que se refleja es cruel y solidaria según con quien se trate, sobretodo con los más pobres. Cientos de familias que sufren el crack del 29 emigran a California, donde parece que además de lucir más el sol brillan las oportunidades. En ese contexto se plantea la película, que comienza con un gran paisaje y un solitario individuo (como le gusta a John Ford), con un Tom Joad (Henrry Fonda) que regresa al hogar tras pasar cuatro años en la cárcel, que se encontrará con Casy (John Carradine) un antiguo predicador que ha perdido la fe y con el que compartirá momentos intensos. La crisis hace que él y su familia tengan que abandonar la tierra que trabajaban, así pues dejan atrás Oklahoma en una vieja furgoneta para recoger fruta en la prospera California, en el camino fallecen los abuelos, un camino lleno de problemas, como si de una diligencia se tratara con desiertos y grandes paisajes del oeste americano.

Lo peor parece terminar al llegar a California, pero la sorpresa es aún mayor al descubrir que la fruta ya ha sido recogida y que no hay trabajo. Los emigrantes que llegaron son explotados miserablemente y responden con una huelga, Casey muere en una pelea con los matones del amo en la cual Tom Joad mata a un guardia y es herido en la cara, la cicatriz de su rostro le delata y toda la familia se ve obligada a la huida, Tom decide abandonarles sin saber muy bien como sabe que luchará por un mundo más justo y que aunque no este con su familia estará con ellos siempre, un símbolo de lucha generacional contra la injusticia.

Jonh Ford retrata de manera extraordinaria esa injusticia, a través de los personajes, la fotografía de Gregg Toland y la música (Alfred Newman) en unos paisajes que retrata como nadie por caminos como la Ruta 66 en lo que en parte es una Road Movie. No todo es pesimismo, se destaca junto con la depresión, la pobreza, la corrupción policial y la tacañería de los empresarios la solidaridad de las buenas personas, las ayudas (pocas) del gobierno, la presión de los sindicatos y la esperanza en un futuro mejor plasmado en ese discurso final de Tom Joad. 

También es curioso por un lado la defensa que se hace por un lado del trabajador a través de Casy y Tom, de la familia por medio de la madre y de la tierra por los abuelos, cuando al abandonar su casa agarra un puñado de esta; momentos de este estilo hay muchos y de ellos se sirve Ford como pocos: un maestro, tiene a centenares en la película; como cuando esta la madre haciendo la comida para la familia y aparecen un montón de niños hambrientos, o cuando entran para comprar pan por 10 centavos en una gasolinera, no explicaré las escenas porque hay que verlas, pero sólo los genios transmiten sentimientos y te ponen los pelos de gallina además de unir un montón de fotogramas.


...por cierto, no es por fastidiar…a pesar de la crisis me voy hasta el lunes 20 a Italia,
Ciao!!

Nota 9

10/03/2008

La gata sobre el tejado de zinc


Este fin de semana quería dedicar un post a Paul Newman, uno de los actores más grandes sin duda, y no tengo mejor manera de hacerlo que recordando su carrera artística, claro que eso sería agotador para vosotros y para mí. Así que le recordaré con una peli y como vengo de un bodorrio familiar comentaré “La gata sobre el tejado de zinc”, porque la familia es la protagonista de la película, así como el matrimonio, los niños, los intereses, las relaciones sexuales, los engaños y todo lo que puede dar de sí esta institución, evidentemente nada tiene que ver la feliz boda a la que fui con esta dramática película, ¡pero es que me entere de la muerte de Paul Newman por mi prima que además fue a la mesa de los novios para comentarlo! En fin una excusa para descartar otras maravillosas películas igualmente recomendables y que todos tenemos en mente del rubio con ojos azules.

La película dirigida por Richard Brooks en 1958 es una adaptación de la obra de Tennessee Williams “Cat on a Hot Tin Roof” una de sus muchísimas obras llevadas al cine. La historia se desarrolla en la mansión familiar de Big Daddy" (Burl Ives) quien regresa de una inspección medica para celebrar su sesenta y cinco cumpleaños, con tal motivo se han reunido sus hijos con las mujeres, pero las cosas no parecen nada tranquila. Brick (Paul Newman) y Maggie (Elizabeth Taylor) no se llevan, ni bien ni mal, parece que entre ellos existió un hombre que marco una barrera entre ambos, especialmente a Brick. El otro hijo Gooper (Jack Carson), es un un gris abogado que esta casado con Mae (Madeleine Sherwood) la cuñadísima que nadie aguantaría, ni a ella ni a sus cinco niños sin cuello.

Cuando se descubre que Big Daddy tiene poco tiempo de vida la hipocresía y los conflictos de intereses salen a relucir al máximo, todos los defectos y alguna virtud, vamos que se aplica eso de “los ricos también lloran” y “El dinero no da la felicidad”, un consuelo para tiempos de crisis...bueno tampoco en exceso ¿no?

La actuación de Paul (una de las primeras) en esta película es esplendida, aunque la censura se encargo de recortar la fuerza del personaje de Brick lo cual enfado notablemente a Tennessee, hasta el punto de no recomendar la película en las colas del cine, sin embargo reconoció que la mirada de Paul Newman en la película era única. En el film se disimula el “amor” de Brick” a su amigo, que se suicida por serle infiel con su mujer, una historia entre tres con el alcohol incluido y la homosexulidad por medio. Paul trabajo en varias obras de Tennessee Williams como ya he comentado en el blog en otras ocasiones. Un año estupendo para Paul por las buenas pelis que hizo y por conocer a su segunda y definitiva mujer.


Debería hablar también de Elizabeth Taylor, que esta impresionante, como actriz y mujer, desde luego hace una pareja perfecta a pesar de que este papel estaba pensado para Vivien Leigh. Burl Ives, representa espectacularmente su papel que ya había llevado a cabo en los escenarios de Broadway y la actuación destaca realmente sobre las demás.
Una clásico basado en uno de los autores literarios mas veces llevados al cine, sin duda una hora y media larga sin un momento de respiro, sin aburrimiento y con Paul Newman, que mas se puede pedir...

Marcado por el odio, El buscavidas, Dulce pájaro de juventud, Harper, investigador privado, Cortina rasgada, La leyenda del indomable, Dos hombres y un destino, El golpe, El castañazo, Veredicto final, El color del dinero, Camino a la perdición...Gracias Paul por seguir entre nosotros.

Nota 9

9/25/2008

Los amores de carmen


Parece que la primavera y el otoño son fechas propicias para las bodas, ni demasiado frío ni demasiado calor, además la gente no está desperdigada por las vacaciones y se pueden llevar modelitos más chulos, y en esas estamos; este sábado me toca bodorrio familiar en Sevilla, con comidas y cenas a todo plan pues nos juntamos un montón, desde el norte de España al sur ya sea en avión, coche o en ave, un buen porrón de gente atravesaremos Sierra Morena, esperemos no tener a bandidos como Don José en el trayecto.

Don José es el protagonista de la peli que comento apresuradamente porque esta semana no tengo el fin de semana para pensar en exceso. La peli es “Los amores de Carmen”, basada en la novela de Prosper Mérimée "Carmen" (y posterior ópera de George Bizet), fue dirigida por Charles Vidor en 1948, tenía como protagonistas a Rita Hayworth y Glenn Ford, lo que significa que se uso la misma formula que con Gilda dos años antes además de contar con un magnífico argumento, sin embargo el resultado no fue el previsto. De todas formas pese a que no es una gran película es curiosa y ver a Rita Hayworth haciendo de gitana en tecnicolor con su abofeteador oficial bien merecen un sábado por la tarde, aunque os echeis una cabezadita entre atraco y beso.

Don José (Glenn Ford), es un noble navarro, cabo de Dragones que acaba de llegar a Sevilla, en su primera salida a la ciudad conocerá a la bellísima gitana Carmen (Rita Hayworth) de la cual se enamorará perdidamente. A ella también le atrae el joven navarro pero tiene miedo, porque una echadora de cartas le ha advertido que morirá a manos del hombre que ama. Por el amor de Carmen, Don José lucha con su coronel al que mata fortuitamente con la ayuda de una zancadilla de Carmen. Tras el crimen, el joven cabo debe huir a las montañas donde se encuentra con una banda de forajidos, la cosa se enredará porque aparecerá el jefe de la banda que resulta ser el marido de Carmen y que correrá la misma suerte que el coronel, en una lucha de navajas con Don José. Los celos por un torero serán el desenlace de una tragedia previsible.

Y la tragedia, al menos en parte, fue que la película no resultó un éxito como Gilda, y es que no por poner los mismos ingredientes te sale la misma tarta, evidentemente fallarían cosas externas como los decorados, bastante feos, y otras internas, Glenn Ford no esta bien, ni caracterizado ni actuando, Rita es lo mejor, me imagino que ver su cabello rojo en esa época sería todo un acontecimiento, incluso en esa época me quedaría con “el destape en B/N” de su mano en Gilda. (la verdad es que tendría que comentar esta peli, caerá!)

Nota 6

9/21/2008

Vacaciones en Roma


La película Vacaciones en Roma de William Wyler, la quería comentar primero porque es una autentica joya del cine, luego porque quería celebrar mi próxima excursión a la ciudad eterna y por último porque también ayer había escuchado en un programa de cine, la publicidad que puede dar una película a una ciudad, refiriéndose a la película de Woody Allen “Vicky Cristina Barcelona”, parece que todos los americanos quieren venir a Barcelona, ya me direís mis queridos blogueros de Barcelona que os parece la idea.

El caso es que “Vacaciones en Roma” muestra esa Roma maravillosa llena de rincones mágicos, obligatorios para cualquier turista; el Coliseo, la plaza del Vaticano, la fontana de Trevi, la plazas de España, del Pueblo o del panteón en el campo de Marte, entre otros lugares, aunque no todo fueron exteriores reales, también se rodó en los estudios de Cinecittà, pero lo cierto es que se rueda con exteriores reales en lugar de usar transparencias que es lo que se estilaba en esa época.

El guión es de John Dighton y esta básado en un argumento de Dalton Trumbo, que es realmente el creador de la historia, pero que no apareció como tal hasta después de su muerte por la famosa “caza de brujas”, hasta entonces aparecería junto a John con el nombre de McLellan Hunter. Se suele comparar esta historia con el cuento de la cenicienta pero cambiando los papeles, es decir el príncipe es una persona común y la chica normalita es la princesa.

La historia transcurre en Roma a lo largo de unas 24 horas. Ann (Hepburn) es una joven princesa de un país europeo en viaje oficial de buena voluntad por varias capitales europeas. Aburrida de tanto protocolo y con deseos de conocer la ciudad a su aire, abandona sigilosamente la Embajada de su país. Por las calles de Roma conoce a un joven periodista americano, Joe Bradley (Peck), que se hace pasar por comerciante de abonos. Ann es ingenua e inocente. Joe es oportunista e interesado así que le enseña la ciudad para obtener un magnífico reportaje lo que no tiene previsto es enamorarse.

En principio para el papel de Joe Bradley se pensó en Gary Grant, desde luego le pegaba todo, pero lo rechazó porque dijo que la chica tenía todo el protagonismo, lo cierto es además era muy mayor para interpretar ese papel así que se contrató a Gregory Peck, que ciertamente no le sacaba el cuarto de siglo sino unos 12 o 13 años, bastante diferencia (pero no dramática, tratándose de Gregory Peck) teniendo en cuenta que ella tan sólo tenía entonces 23 añitos, ya se sabe que según pasa el tiempo eso se nota menos, ¿no?.

En cuanto al papel de Ann, Audrey era una apuesta muy arriesgada ya que la jovencísima actriz sólo tenía experiencia en el teatro (Gigi), bueno miento, como ya me comentó Ángel sabrina Mención especial también para Eddie Albert, que hace un mágnifico papel como ayudante del periodista, un actor secundario pocas veces nombrado pero siempre imprescindible.

En cuanto al director la Paramount en un primer momento se pensó en Frank Capra, pero le dio miedo hacer la película sabiendo que el verdadero guionista estaba perseguido por comunista y aún con pseudónimo la historia era realmente suya, en eso William Wyler fue bastante valiente.

Sin duda esta película tiene momentos muy especiales, desde el paseo en vespa, en “la boca de la verdad” donde Gregory Peck engaña realmente a Audrey al esconder la mano en la manga al sacarla de la boca de la verdad y así hacer que esta pusiera cara de sorpresa –se grabó esa primera toma-, el baile en la verbena, el final con aquel pasillo y la rueda de prensa (con periodistas de verdad como los corresponsales del ABC o la Vanguardia)…y todo ello con una fotografía estupenda, unos planos en picado y contrapicado (en la Plaza de España), o con un travelling especial (no soy experto eso ya lo sabeís), pero quizás al ver tantas veces la película uno se fija mas en esas cosillas.

Una maravilla de película, para una radiante Audrey, con un compañero como Gregory Peck un perfecto galán, en una ciudad mágica,¿que más se puede pedir?...que algo parecido le ocurra a uno, jaja!!

Nota 8.5

9/13/2008

Uno de los nuestros


Ya dejamos el verano olvidado en gratos recuerdos, antiguos romances perdidos en las noches calurosas de agosto, e incluso quizás alguno se sacuda todavía la arena de las zapatillas, testigo de esos días felices pero ahora pasamos inevitablemente a la vida gris de la ciudad ya casi otoñal. Y en este contexto estaba el miércoles viendo un programa en la tele sobre la violencia en la ciudad y el tráfico de cocaína, no me voy a extender sobre el programa, tampoco es que informara especialmente de nada nuevo, muchísimo trapicheo y consumo en España y lo peor en gente muy joven, esperemos que no sólo con anuncios sino con programas informativos y documentales se informe a la juventud de los problemas de las drogas en lugar de tanta telebasura, para eso esta la televisión publica, digo yo.

Y sin querer ponerme más serio hablaré de una gran peli de Gansters, “Uno de los nuestros”, dirigida por Martin Scorsese en 1990, un clásico del género que pocos como él o Coppola pueden retratar, para ello también es cierto que contaría con uno de los mejores actores para estos casos, Robert de Niro”. La historia desarrolla la biografía de Henry Hill, un hombre con sangre irlandesa e italiana, cuyo mayor deseo es el de aspirar a ser un gangster y así lograr poder, respeto y dinero. El comienzo de la peli nos describe a los tres protagonistas en un coche, Henry Hill (Ray Liotta) conduciendo, el que quiere ser un ganster, Jimmy Conway (Robert De Niro) que va feliz a su lado, es el que ya lo tiene todo, y detrás, Tommy De Vito (Joe Pesci), el de carácter duro. Cuando notan que el hombre que llevan en el baúl esta vivo... Henry Hill sólo se atreve a mirar, es el principiante o aprendiz de ganster, Tommy de Vito se pone a darle puñaladas como un poseso y Jimmy Conway le da dos tiros, con esta escena se nos describe perfectamente a nuestros protagonistas y como van a actuar a lo largo de la película y no sólo eso sino como se va a desarrollar esta.

Después de esta escena la película vuelve a la infancia de Henry Hill (Ray Liotta) y va describiendo como el chaval se engancha cada vez más en el mundo de la mafia desde sus comienzos como aparcacoches, cuando le atrapa la policía por primera vez, cuando conoce a Jimmy Conway por primera vez o en su boda con Karen Hill avalada con sustanciosos regalos de sus compañeros de fechoría. Sin embargo tras algunos golpes estupendos comenzaran a surgir problemas, básicamente con la llegada de la droga y problemas con “la familia”. Tommy De Vito será asesinado en un ajuste de cuentas y tras gran cantidad de problemas con las drogas Henry Hill denunciará a su ex compañero Jimmy Conway para salvarse de la quema.

Evidentemente esta historia de Nicholas Pileggi es mucho mas bonita y está mucho mejor contada que mí post, sino fiaros también de Scorsese y las casi 2 horas y media en el cine, pero desde luego merece la pena ver esta estupenda historia.

En cuanto a los actores, Robert De Niro es el perfecto ganster italoamericano, duro implacable, serio y cumplidor con sus jejes y súbditos, ya demostró su fantástica actuación en, para mi la mejor película del género junto al Padrino, Érase una vez América , o en otra, no menos interesante que la que estamos comentando y a la que algún día dedicaré un post sin duda, Los intocables de Eliot Ness dirigida por Brian de Palma, grandes películas, interpretadas por un gran actor del género.
Joe Pesci tiene una interpretación bestial, capaz de poner nervioso a cualquiera, un personaje visceral que saca de quicio a cualquiera; la escena en la que se carga a su compañero cuando antes ya le ha disparado en el pie es impresionante, un tipo de esos que no mirarías si te pregunta la hora ¿eh?


Ray Liotta hace perfectamente su papel de protagonista, creo que es una de sus mejores actuaciónes en el cine y la voz en off de su personaje juega un papel fundamental para contarnos la historia de Henry Hill, curiosa es por otra parte la relación con Karen Hill (Lorraine Bracco) su mujer con la que se casa enamorado, pero al poco tiempo comienza a salir con prostitutas, ella no puede divorciarse, es inmoral, esta mal, pero él si puede alternar con putas, todo un contrasentido permitido en un mundo con sus propias reglas.

Nota 8.6

9/06/2008

Locuras de verano


Aunque el verano no ha terminado oficialmente, digamos que todo el mundo tiene en mente ya el otoño cuando se pone a trabajar en el mes de septiembre y los niños vuelven al cole. Pero no quería hablar de esto, sino del verano, y mas en concreto de los amores, que quien más quien menos hemos tenido en esas fechas alguna vez. Reconozco que mi época favorita para los amoríos es el otoño, no sé por que, pero es un hecho científicamente comprobado en mi caso, este año mi verano ha sido completamente nulo en temas amorosos así que poco puedo entreteneros, si algún bloguero se anima seguro que los demás disfrutaremos del relato.

A falta de experiencias propias me referiré a una estupenda película propuesta por mi amiga Lula “Locuras de Verano”,lo que no sé es hasta que punto se pareció su viaje a Venecia al de Jane Hudson, jeje!!

Bueno vamos a lo serio, la película fue dirigida por David Lean en 1955 (posteriormente se haría famoso por pelis como Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago) en una Venecia como siempre mágica en la que luego han rodado muchos directores italianos y extranjeros (como Woody Allen o Spielberg). A esta Venecia llega una mujer madura, soltera, cuarentona y guapa Jane Hudson (Katharine Hepburn) que no sólo quiere conocer una ciudad, quiere enamorarse de ella y quizás tener una aventura romántica, disfrutar plenamente de la vida en definitiva, saborear cada instante con pasión. El comienzo de su viaje es agradable aunque algo ruidoso, se alojará en la pensión de la viuda Fiorina (Isa Miranda) donde conocerá a otros huéspedes pero se sentirá sola a pesar de tanta belleza, tan sólo un niño pequeño que vive en la calle le hace compañía, hasta que conoce a Renato Di Rossi (Rossano Brazzi), dueño de una tienda de antigüedades. El romance será intenso mientras duran las vacaciones pero se marchitará como las gardenias en una solapa.

Los personajes están estupendamente tratados, Katharine Hepburn borda su papel, tanto en los momentos de soledad, reflexiva en la pensión o mirando a las parejas en el café; como alegre y encantada de compras, o en los momentos de enamoramiento, y enfadada, en fin una actriz con todos los registros, un valor seguro para cualquier película. Rossano Brazzi, mucho menos conocido, quizás su papel más famoso sea “La Condesa descalza”, está bastante bien, aunque no me convence físicamente, no se, algo cursi para Katharine Hepburn, pero es un comentario subjetivo y poco sólido, la actuación creo que es buena. 

El niño, Mauro (Gaitiano Audiero) es otro de los que sobresalen en la peli sin duda, una escena que hoy posiblemente censurarían seria cuando sale pidiendo un cigarro a Katharine ¡¡y se lo fuma!!, y hablando de escenas y con Mauro , creo que la más típica es la de K.H Rodando con el Super 8 cuando se cae al agua, aunque a mí casi me da mas risa la siguiente escena en la que un italiano la imita y es cae él.

En fin una peli estupenda, con unas vistas maravillosas, una fotografía estupenda de Jack Hydyard, quien trabajaría con David Lean también en “el Puente sobre el rio kwai”. Desde luego una recomendación de Lula muy buena, pero lo mejor es ir a Venecia y recordar la peli allí y quien sabe igual hasta se puede tener una aventurita ;)

Nota 7.3

8/30/2008

Una noche en la Ópera

Con la llegada de septiembre también regresa la mayoría de los blogeros a sus actividades habituales y algunos esta circunstancia supongo que no le sentará muy bien, al menos en la parte que se refiere al trabajo. Así que como medicina propongo una de las mejores recetas: reírse, y quien mejor que los Hermanos Marx para ello; además les debía un post sobre una película suya, ya que aunque mi primer post tenía dedicatoria para ellos, simplemente les adoro, curiosamente no había analizado ninguna peli suya hasta ahora y sin duda “Una noche en la Ópera” es su clásico, sin dejar de lado otras como:“Un día en las Carreras”,”Los Hnos Marx en el Oeste”,o “Una tarde en el Circo”. Así que volví a ver esas enormes escenas (he perdido la cuenta) que tienen sin duda para mi los Hermanos Marx; una intensidad de humor anárquico bestial, ingenioso, fresco y cercano que sigue intacto con el paso del tiempo.

Supongo que los que me visitáis habitualmente conocéis la trama de esta película, si bien no es lo esencial ya que en sus películas es cierto que lo fundamental era su propio lucimiento y los gags así como los números musicales, por poner una pequeña pega. De todas formas en “Una noche en la Ópera”, la trama esta bastante bien estructurada, se trata de una historia de amor entre Ricardo Baroni (Allan Jones) cantante de ópera del coro de la Ópera de Milán que está enamorado de Rosa (Kitty Carlisle), cantante principal de la misma compañía, a su vez el cantante principal, Rudolpho Lasparri (Walter King) está enamorado de ella pero no es correspondido es un tipo caprichoso, malo y que además canta peor que Ricardo Baroni, tiene un criado, Tomasso (Harpo Marx) al que trata fatal.

Además esta la Sra. Claypool (Margaret Dumont), una milloñaría que desea entrar en sociedad y que ha contratado a Otis B. Driftwood (Groucho Marx), quien le aconseja que done 200,000 dólares a la Ópera de Nueva York a través de Herman Gottlieb (Sig Ruman) (primera escena) para que puedan contratar a Lassparri. Driftwood equivocadamente contrata a Baroni, cuyo agente es Fiorello (Chico Marx) (escena de la parte contratante...). Fiorello,Tomasso (que ha sido despedido) y Ricardo Baroni entran de polizontes en el baúl de Driftwood y escondiendose en su camerino un tanto pequeño (escena para la eternidad) siendo descubiertos y escapando como pilotos extranjeros (escena del discurso). Al llegar a Nueva york Rosa rechaza el amor de Lassparri de nuevo y es despedida, también Driftwood, sin embargo un plan inverosímil hace que Rosa y Ricardo terminen cantando en la Ópera y todos sean perdonados.

Hablar de los Hermanos Marx, daría para varios post, así que no voy a extenderme mucho, sólo contar un par de curiosidades, entre otras que fueron seis hermanos, aunque el mayor de ellos Manfred fue un bebe que murió a los seis meses, los otros cinco fueron los famosos cómicos, si bien sólo actuaron juntos un par de veces con Gummo que se dedico básicamente a negocios textiles y a agente teatral.

Los famosos de verdad fueron Zeppo, Chico, Harpo y Groucho, curiosamente el mote de todos ellos termina en “o” una moda de esa época, en cuanto al origen de los motes si bien hay algunas controversias, básicamente se dice que Hebert fue Zeppo por su agilidad, como la que tenía entonces un chimpancé de la época “Zippo”, Adhie o Arthur (o Adolph) se llamó Harpo por su habilidad por el arpa, habilidad heredada de su abuela, Leo paso a llamarse Chico por la forma en que destrozaba el ínglés,groucho tenía una bolsa de dinero una grouch-bag y Gummo por las suelas de goma de sus zapatos.

En cuanto a otros personajes, a destacar el papel de la Sra. Claypool (Margaret Dumont) un personaje que conectaba perfectamente con la ironía de Groucho, Margaret D. intervino en muchas películas de los Marx y fue parte de su compañía teatral. Otro Gran actor fue Sig Ruman, que también intervino en varias películas de los Marx, y del que ya hemos hablado en su gran papel en el emisario ruso de Ninotchka y otras pelis como Ser o No ser.

Groucho ofreciendo bocatas en la ópera mientras sus colegas cambian la música por una mas "deportiva".

Esta película fue rodada en 1935 por Sam Wood, la primera que rodaron con la MGM (con quienes tuvieron los mayores éxito) después de romper con la paramount, y la primera sin su hermano Zeppo. En el guión aparecen ,James Kevin McGuinness, George S. Kaufman,Morrie Ryskind, pero se dice que también intervino Buster Keaton. La música fue responsabilidad de Herbert Stothart y había dos canciones originales de Nacio Herb Brown;"Cosí, cosà" y "Alone" que se convirtió en la canción de año, este compositor fue el autor de "Singin'in The Rain", Harpo interpreta una versión en el arpa preciosa, son las únicas escenas en las que se pone serio, es mi favorito, aunque se que a todo el mundo le encandila la genialidad de Groucho (y que evidentemente reconozco), la mímica de Harpo es tan brutal que siempre me a encandilado.


Un último apunte, es agradecer los doblajes al español, sobretodo esos intercambios entre chico y harpo cuando hacen adivinanzas, en sus múltiples películas, me parecen estupendos, evidentemente yo veo las películas en Ingles, porque me las sé de memoria, podría verlas en chino, pero reconozco que quien las ha visto poco o alguna menos conocida puede hacérsele difícil en los diálogos rápidos y están muy bien dobladas.

En definitiva una medicina fantástica para la depre post vacacional.

¡Feliz regreso a todos!

Nota 9,1

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