The tribe

Sergey (Grigoriy Fesenko), es un chaval ucraniano sordomudo que ingresa en un centro especializado para jóvenes como él. Allí resulta que las cosas no son nada apacibles, existen bandas, delincuencia, trapicheos, prostitución y corrupción de todo tipo.
En un ambiente así de frío por el clima y lo que le rodea, Sergey acaba incorporándose en una banda tras unas pruebas, siendo el proxeneta de dos de las chicas que se dedican a la prostitución y acabará enamorándose de una de ellas lo que traerá consigo nefastas consecuencias, lógicamente...

Ésta cinta dirigida por Miroslav Slaboshpitsky, con guión del própio director, esta coproducida por Ucrania y Holanda. Es una película sin absolutamente ningún diálogo, esto es algo que evidentemente ya hemos visto en las cintas de cine mudo pero es que tampoco tiene banda sonora, tan solo se acompaña a la proyección de algún que otro ruido. 

Vamos, es una película que tanto por la forma de rodaje como por el contenido, lo que se cuenta, resulta muy dura, para  mucha gente diría que insoportable. Es cierto que tiene cuestiones muy originales, como comunicarse con el espectador con el lenguaje de los sordomudos, y la expresión corporal (esto último no es original ya que se hacía en el cine mudo hace un siglo y mucho mejor).

En cuanto a la temática del trapicheo, mafias, corrupción, etc, ya hemos comentado alguna que otra película con este ambiente, de países del antiguo bloque soviético, pero en este caso se centra en chavales especialmente, y sordomudos, lo cual es bastante interesante. 

Para la crítica resulta casi una obra maestra, a mi me parece una cinta curiosa y original, y para un estudioso del cine o mentes abiertas es seguramente interesante de ver, ahora, es una película muy dura en todos los sentidos para recomendar a una persona que quiera pasar solo un buen rato, o un momento divertido, incluso momentos intrigantes sin mas.

Advertidos quedan :-)

Nota 6.4

El Chico 2

Una mujer (Edna Purviance) abandona a su bebé en el asiento trasero de un coche que pertenece a una familia adinerada; su pareja la abandonó y ella no tiene recursos económicos para mantener al peque, así que espera que la familia cuide del niño ya que ella no puede. Sin embargo el peque termina, por extrañas circunstancias, en manos de un vagabundo (Chaplin), quien cuidará como puede y a su estilo del peque, pero eso si con todo el cariño del mundo. 
La vida del pequeño John (Jackie Coogan) no es fácil,irá creciendo y a los cinco años trataran de separarle del vagabundo, pero ambos se quieren demasiado... 

Esta película es una auténtica maravilla del cine, una obra maestra, imprescindible en cualquier videoteca. Se trata de un mediometraje (50 mnts) en el que se combina la tragedia con la comedia de una manera fantástica, en un mismo plano puedes pasar de la mas amplia carcajada a perder alguna que otra lágrima (o si eres de los duros, al menos a sentir una gran pena) 

Chaplin, que dirige, hace el guión e interpreta al vagabundo, evidentemente se sale; simplemente un genio. Pero tampoco dejaremos atrás al chaval, Jackie Coogan, realmente fantástico, entendiéndose al 100% con Chaplin en esas ya eternas escenas con los cristales, o desayunando tortitas, o en el combate de boxeo...en fin, toda la película de chapo. Edna Purviance también está bastante bien, si bien parece que tuvieron problemas para filmar con ella por los problemas con la bebida, pero eso son otras cuestiones. 

En definitiva una grandiosa película para disfrutar este verano, y cualquier día, yo evidentemente la había visto (muchas veces) y la había comentado, (aquí podeís leer el anterior post) pero no está de mas hacerlo otra vez con esta cinta, que a pesar de tener casi un siglo no ha perdido absolutamente nada de fuerza emocional, pero nada. 

Nota 9.3

Luces de ciudad

Comentaba el otro día aquí y también con unos amigos con esto de los Oscars y los Goya, como están los cines llenos de pelis pesimistas, tristes y que acaban mal; que poco sentido del humor y que poca alegría nos queda para combatir la depre que ya a uno de por sí le pone a cuestas la vida para que encima entre en una sala y salga peor de lo que está. Y no es que me parezca mal que existan dramas en el cine; soy un admirador de los buenos, además tampoco quiero llenar mi videoteca de comedias absurdas de las tardes del sábado que conste.

Pero donde esté un gran cuento o historia...una gran historia para mí, es la que reúne varios estados de ánimo, la que mezcla la sonrisa, el miedo, el romance, la alegría, la tristeza...es en definitiva parte de la vida, donde se mezcla el llanto de alegría con el de la tristeza, y donde los minutos pasan volando y encima terminas con una sonrisa o una lágrima pero de las que sientan bien...una de esas grandes historias, es “Luces de ciudad”.

La película luces de ciudad fue dirigida y producida por Charles Chaplin en 1931, el guión es también suyo ayudado por Harry Clive y Harry Crocker, inspirándose en la canción “la violetera” de José padilla, que también suena en la peli. La historia comienza con un vagabundo (Charles Chaplin) que aparece dormido encima de una estatua que acaban de inaugurar, tras huir de allí se encuentra con una vendedora de flores en una esquina que le deja impresionado. El portazo de un coche hace creer a la joven vendedora (Virginia Cherrill) que el vagabundo es un joven adinerado, y él le da las pocas monedas que le quedan, al mirarla de cerca el joven se da cuenta de que ella es ciega. Por la noche se encontrará con un millonario (Harry Myers) que se quiere suicidar y él se lo impide no sin ciertos problemas, tras esto se hacen amigos aunque la amistad sólo dura mientras dura el alcohol.

Un día el vagabundo irá a buscar a la vendedora de flores y no la encuentra, entonces al ir a buscarla a su casa descubre que está enferma, que necesita descanso, y encima debe dinero de la renta de la casa. Él decide conseguir dinero para pagar la renta de la casa y curarla de la ceguera, para ello buscará trabajo de lo más variado, hasta de boxeador. Al final conseguirá el dinero a través de su amigo el millonario pero un atraco y la amnesia de este llevarán al pobre vagabundo a la cárcel. A la salida de la misma se encontrara a la bella vendedora en una elegante tienda, ahora le puede ver pero no reconocer, hasta que le acaricia las manos...

Curiosamente la película se estrenó cuando ya el cine mudo no estaba de moda, el cantor de Jazz, la primera peli sonora se estrenó en 1927, y a partir de entonces el sonoro se implantó con fuerza. Pero la peli de Chaplin fue un proyecto de varios años y aunque tiene efectos sonoros y música, los personajes no hablan, aún así la peli fue un éxito entonces y después gracias a esa mezcla de drama, romance y comedia como hemos comentado antes. En cuanto a los actores Chaplin borda su papel de vagabundo, con momentos cómicos como la intro, el combate de boxeo o comiendo espaguetis y momentos tiernos con la mirada a través del espejo o en la casa de ella.

La veinteañera Virginia Cherrill en uno de los pocos papeles que ha tenido está muy bien gracias a su miopía y la dirección de Chaplin, como curiosidad decir que estuvo casada con Cary Grant. Harry Myers interpreta estupendamente a su personaje, la verdad es que hay escenas fantásticas, como la del suicidio, claro que allí Chaplin también es fundamental. Efectivamente una peli clásica, vieja, en b/n, muda...

Buen y cinéfilo fin de semana.

Nota 9,4

La Luna

Mas de una vez me dieron en el colegio una colleja por “estar en la luna” y es que uno tiene poca capacidad de concentración o mucha capacidad para fantasear. Lo que debe ser una flipada, perdonen el lenguaje, debe ser viajar a la Luna, eso les debió ocurrir a los tres astronautas americanos Neil A. Armstrong, Edwin E. Aldrin Jr., y Michael Collins integrantes del Apolo XI que llegaron a la luna el 20 de julio de 1969, el que pisaran la Luna de verdad o que sea un montaje del señor Kubrick no me importa tanto, en esto como en el cine lo divertido es creérselo, que mas da si fue cierto o no, caro debe ser carísimo…el llegar allí y dudo que en un planeta con una temperatura de -160 a +160 grados interese quedarse para algo mas que dejar una plaquita y una bandera, pero por si os interesa creo que venden parcelitas del terreno de un campo de futbol a 20 euros.

El caso es que la Luna siempre fue un planeta atractivo para los humanos, como no podía ser menos debido a su atracción que ciertamente existe desde el punto de vista puramente científico y que se ve por ejemplo en las mareas, tener cuidado los bañistas, que a veces puede provocar algún susto. El caso es que en el mundo del cine no iba a ser menos esta capacidad de atracción y ya en los mismísimos orígenes del cine influyó este permanente vecino. Esa escena de la luna con el cohete estrellándose en la cara de la luna es una de las más clásicas de la historia del cine, nos referimos a una de las primeras películas de cine de ciencia ficción, una peli de 1902 ni más ni menos.


Si es la película “Viaje a la luna” dirigida por Georges Méliès, escrita por él y su hermano. Esta basada en la fantástica novela de Julio Verne “De la Tierra a la Luna” y “El primer hombre en la luna” de Herbert George Wells. Se trata evidentemente de una peli muda en B/N, es un corto que no llega al cuarto de hora pero que tiene un guión bastante completo y fantasioso, es una de sus 500 pelis y una de las pocas que se conserva.

El argumento nada tiene que ver con una peli de ciencia ficción actual, unos astrónomos, vestidos con sombreros y levitas se reúnen para discutir sobre un gran viaje a la luna, (el presidente lo interpreta el mismísimo Georges Méliès), tras una acalorada discusión, parten en un cohete-bala, en el que entran justitos, ayudados por unas bellas señoritas de la época. El cohete bala es disparado por un gran cañón y la bala se estrella en el ojo de la Luna, tras dormir una noche en la luna (sin problemas gravitatorios ni de oxigeno claro) dan un paseo en el que suceden cosas de lo mas extrañas con su paraguas el cual crece como un hongo, luego se encuentran con los Selenitas, los habitantes de la Luna, a quienes hacen desaparecer con el paraguas, pero no consiguen destruir a todos y tras ser conducidos al jefe de la tribu acaban escapándose milagrosamente huyendo por un acantilando y cayendo en el mar terrestre.

Una cinta verdaderamente romántica que tiene el enorme mérito de estar filmada hace casi 110 años y con una gran cantidad de fantasía, una peli de obligatorio visionado para un amante del cine destaca la ausencia de primeros planos la moda de principios de siglo XX.

Nota 8.5

Otra de las pelis (hay muchas mas, pero sólo me voy a referir a estas dos) de las que voy a hablar sobre el tema de la luna es La mujer en la luna de Fritz Lang de 1927, su última peli muda, muy interesante, para mi un poquito larga, con 169 minutos, aún así son bastante interesantes. La cinta se divide en dos partes, una la elaboración del viaje, con un cierto toque folletinesco y el viaje en si, mas aventurero aunque no demasiado científico. La primera parte nos descubre el porqué del viaje, el oro, parece ser que en la Luna hay grandes cantidades de oro, y así gracias al capitalista Wolf Helius se construye un cohete ideado por el profesor Mandfelt, el proyecto es robado por unos espías y obligan al industrial a compartir la empresa. En la segunda parte de la peli aparecerá el viaje, al profesor y al empresario se le unen dos amigos de este uno de los espías y un polizón, el despegue comienza con una cuenta atrás una novedad que además causa gran impacto. También se destacan las fases de desprendimiento de las partes del cohete y la falta de gravedad, sin embargo al llegar a la Luna se desprecia la falta de oxigeno para dar a la aventura un toque más romántico, aquí pierde parte de ciencia ficción para dar paso a una historia que termina en un juego...que claro no desvelaré

La película cuenta con momentos estupendos y con el asesoramiento de técnicos de alto nivel lo cual hizo que se destruyeran todas las maquetas de la nave espacial porque se ponía en peligro el programa de las V1 y V2 del gobierno Nazi, la verdad es que Lang no sólo no era Nazi sino que por esta causa salió de Alemania, el caso es que en esta peli contó con colaboradores que estaban próximos al partido, me refiero a la que en esos momentos era su mujer Thea von Harbou, con la que escribió el guión, cosas que pasan. 

Aquí los primeros planos se suceden con las grandes tomas de maquetas que recuerdan a Metrópolis, en los planos cortos se puede disfrutar con las sobreactuaciones de los personajes de la época, debían tener una fantástica musculación de cejas y labios jeje. La película tiene partes un poco flojas para mi gusto, sobre todo por el excesivo metraje y algo folletinesco guión; sin embargo el estilo del director creo que es inconfundible y hay momentos especiales, sin que llegue a esos mágicos de Metrópolis por ejemplo, pero es bueno alucinar o alunizar con Fritz lang ;-)



Os dejo con esta "luna inolvidable"

Tiempos Modernos

La semana pasada me refería en “el Dormilón” a una de las mejores películas de siempre, “Tiempos Modernos”, sin duda una de mis películas favoritas de Chaplin, junto con El chico (la que más), o “El Gran Dictador”, “La quimera del oro”, y cortos de sus comienzos, etc. Quizás “Tiempos Modernos” sea especial por ser una película con destellos del cine sonoro y la lucidez del cine mudo que todavía conservaban muchas películas todavía, una mezcla interesante; además se mezcla con ingeniosa habilidad la tristeza de la depresión de los años 30 y la comicidad de Chaplin, en cualquier caso él controlo completamente la película; desde la producción y realización hasta la dirección y como no protagonizando el papel estelar, el de Chaplin; curiosamente el famoso vagabundo, como tal personaje actuaría por ultima vez en esta película.

Otros actores que acompañarían a Chaplin fueron Paulette Goddard, quien estaba realmente guapa en esta película (quizás el pelo liso le favorecía más que los tirabuzones pero es lo que se llevaba en la época, jeje) y también puede que influyera su relación sentimental con Chaplin en ese momento; Henry Bergman, un clásico que acompaño al vagabundo (es el dueño del restaurante), Stanley Sandford y Chester Conklin (aquí sale como maestro de mantenimiento y chaplin de ayudante dándole de comer en la fábrica entre tuercas gigantes).

La película esta rodada con una meticulosidad total, cada detalle esta estudiado a la perfección, el guión se comenzó a escribir unos tres años antes y escenas como la de la fábrica tardaban en rodarse al menos un mes. Evidentemente no se dejaban las cosas al azar y casi todo tiene su simbolismo. Incluso el mismo personaje de Charlot no aparece como tal en toda la película sino al final, en la primera parte realmente es un obrero que intenta adaptarse al mundo moderno, aunque fracasa en el intento y en una segunda parte es un preso, luego hay otras historias dentro de la película en las que surge de nuevo
Charlot, como empleado en una tienda, como compañero de la vagabunda y en el restaurante, son dos personajes diferentes siendo el mismo.

Para los que no recuerden muy bien la película recordaré un poco que la misma comienza con Charlot en una fábrica -con un look mas bien modernista, que recordaría a metropolis, con televisores y una limpieza inmaculada- y nuestro amigo apretando tornillos en una cadena de obreros mecánizados, le usan como conejillo de indias para probar una maquina de alimentación mecánica para ahorrar tiempo, además de agobiarle con acelerar el proceso productivo acelerando el trabajo, al final enloquece y le acaban encerrando en el loquero. A la salida acaba en una manifa por equivocación y le encierran en la cárcel, tras cometer un acto heroico con ayuda de un “salero” su vida es maravillosa pero deciden que ya es apto para la vida en la calle.

Intenta trabajar pero es demasiado original para la vida mecanizada y rutinaria de la gente normal así que decide volver a la cárcel, así que ayuda a una huérfana culpándose del robo que cometió ella, al final los dos están solos en un mundo terriblemente duro que no les da ni un sitio donde dormir ni trabajo, pero parece que en por un momento Charlot consigue un buen trabajo en unos almacenes, pero sólo dura un día y tiene que volver a la cárcel. A la salida ella a conseguido un trabajo de bailarina y también le consigue un trabajo a él, cuando las cosas parecen salir adelante la policía descubre que ella tiene que ser detenida por vagabundeo y escapan, ella llora pero él la hace reir.

Posiblemente se inspiro en la película ¡viva la libertad! (A nous la liberté) de René Clair de 1931, o al menos plantean el mismo problema del paro, la explotación de los trabajadores y el taylorismo (mas o menos es descomponer el trabajo según rendimiento y tiempo). En cualquier caso la cinta es algo más que una crítica al sistema productivo capitalista e incluso a los poderes públicos, sólo hace falta ver como actúa la policía frente a los obreros por ejemplo; es una obra de arte que va mas allá, con un contenido evidentemente social pero también poético y con un canto a la esperanza y con una buena dosis de humor e ironía, que es lo que hace grande e inteligente a esta película.

Y es que cuando uno ríe, llora, se agobia, enternece, aterroriza, asombra, enfurece…y ve que esos 90 minutos han pasado como si fueran 90 segundos sabe que acaba de disfrutar de una obra maestra.

¡¡Viva Chaplin!!

Nota 9.4

El acorazado Potemkin

Después de tantas vacaciones en color y chavaleria y con el pretexto del Marxismo, doy paso a un peliculón del cine mudo del grandísimo director Eisenstéin. Evidentemente, esta película tiene un marcado carácter político, ya que se le encargó dicha película en 1925 para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique además de justificar y legitimar la misma, desde ese punto de vista no sería una peli muy interesante al ser sólo un instrumento político, con lo que seguramente esta manipulada histórica y conceptualmente. Constituye un recordatorio en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.


Por otro lado esta el aporte puramente narrativo, personalmente me interesa muchísimo más, resulta espectacular esa manera de describir los sufrimientos y las pasiones de los hombres y sus reacciones, la forma de describir el tormento de los marineros o la dureza del patrón y el ejercito bolchevique, frente a ellos el sufrimiento del pueblo; junto con Griffith, dos de los mas grandes de la época (ya he comentado en este blog algunas películas de este y su aportación trabajando con la escala de planos). Por otro lado las inclinaciones de cámara que usa Eisenstéin son espectaculares, el ejemplo que siempre se pone es el de la madre que es alcanzada por una bala mientras corría con un cochecito de bebé que rueda escaleras abajo, este recurso lo usaran luego multitud de directores como ejemplo, el caso mas parecido y muy bueno por cierto es el de “Los intocables de Elliot Ness”: un cochecito cae por las escaleras de la estación de trenes cuando se produce un tiroteo entre Elliot Ness y un ayudante suyo contra unos gansters, en este caso ni la madre ni el bebé mueren, pero la escena también es interminable (aunque realmente dura segundos), realmente buena; muchísimo menos dramática que Eisenstéin, ¡que para algo era Ruso!!. En definitiva esa manera de usar la cámara producen sensaciones nuevas en esa época, y ahora no quedan nada anticuadas eh!!…las perpectivas son espectaculares, con esos cañones apuntando al infinito, por ejemplo.

El acorazado Potemkin esta repartido en cinco episodios: 1) Hombres y gusanos; aborda de forma cruda cómo era mal alimentada la tripulación del acorazado (carne con gusanos, el desencadenante de la protesta) y cómo reclaman por un plato de comida decente. 2) Drama en el Golfo Tendra; surge el levantamiento en sí dentro del acorazado liderado por el marinero Matushenco, cuando iban a ser fusilados unos compañeros por no tomar la sopa. 3) El muerto clama; nos narra la llegada del acorazado al puerto de Odessa, donde se expone el cuerpo de uno de los marineros caído en el motín del acorazado. "El muerto que clama justicia". El cadáver es mostrado como un mártir con un cartel que recita "muerto por un plato de sopa", esta escena también me parece especialmente fuerte. 4) La escalera de Odesa; nos muestra la brutal represión del ejército zarista al pueblo de Odessa. Se utiliza el tan famoso simbolismo de los leones de Piedra que viene a significar el despertar de la revolución y tenemos la famosa escena de la madre con el carrito con el bebé. y 5) Encuentro con la escuadra. El último capítulo es el triunfo utópico de la revolúción, un claro mensaje político.

Y dejando al margen connotaciones políticas, si hay un himno que me guste ese es el Ruso (la música), aunque Yeltsin estuvo a punto de quitarlo, espero ir un día de estos a visitar alguna de esas ciudades tan bonitas, aunque ahora no es un buen momento.

Nota: 8.7

Amor, en estado mudo.

No se pero la verdad es que cada vez estoy más enganchado a las cintas antiguas e incluso a las que no tienen sonido, bueno quiero referirme a las películas mudas; sonido tuvieron siempre en directo o grabado posteriormente, en fin espero que esto no sea grave…
Quizás acabe como uno de los lechuguinos de Wodehouse, con un Bombín equivocado comprado en Bodmin´s y andando como Chaplin balanceándome de lado a lado con un viejo bastón mientras los chavales del colegio de enfrente se rien viendo al vecino devorador de películas mudas jajaja!!!

Bueno, dejando de lado el tono cómico voy a referirme a dos peliculones que desarrollan historias de amor. La primera es Amanecer, rodada por el director Friedrich Wilhelm Murnau en 1920. Famoso por su obra "Nosferatu", rodada dos años mas tarde, tiene otras películas estupendas como “Fausto” o “El último”, y rodó muchas mas cosas que se perdieron. Pero quiero Hablar de Amanecer (Sunrise). Es una drama amoroso, una feliz y humilde pareja de campesinos (George O´Brien-él, y Janet Gaynor-ella) parece tener sus días contados por la presencia de una mujer de ciudad (Margaret livingston) que ha robado el corazón al chico y pretende no sólo separarle de su mujer sino que este la mate, venda la granja y escape con él, sin embargo en el momento de ahogar a su mujer se arrepiente, esta la perdona…a la vuelta a casa sin embargo una tormenta vuelca la barca y la tragedia parece volver sobre la pareja, además aparece de nuevo la amante y con ello terminar definitivamente de redondear el drama, pero esta es una película antigua...


Las escenas que desarrolla Murnau son realmente emocionantes, son pura poesía de la imagen, donde los sentimientos más profundos encuentran un medio de expresión perfecto , se combinan además con momentos cómicos y conectan rápidamente, con palabras justas, que incluso tienen animación visual con significado, y los sonidos están sincronizados de una manera revolucionaria para la época.

Murnau utilizó el "Movietone", un sistema de sonido revolucionario que destacaba sobre el que se conocía hasta entonces, el "Vitaphone" de la Warner, el "Movietone" fue el primer sistema de sonido que imprimía el sonido con la imagen en la misma "película". "Amanecer" era muda, pero se creó una banda sonora con efectos de sonido especifica, que aún hoy se conserva. Sin embargo se dice que la primera cinta o película sonora es “El cantante de Jazz” producida con el sistema Vitaphone de la Warner de 1927, (se sincronizaba sonido y voz).
Además se usaron técnicas revolucionarias como el movimiento de cámaras deslizantes que luego usarían grandes cineastas por ejemplo; John Ford en The Informer de (1935) y Orson Welles en Citizen Kane de (1941).

Una historia de amor a la que no puede uno sustraerse , …ni debe perderse este despliegue de sabiduría…imaginémonos por un momento lo que en aquellos tiempos sería el cine, un artículo de estudio, o de feria y que algunos genios como Murnau convertían en poesía, en arte!!


Otra gran película es Way Down East, del Director David.W. Griffith, es también de 1920. La película está dividida en dos partes, en castellano la cinta se titula “las dos tormentas”, por los dos dramas; en la primer parte una chica ingenua y de escasos recursos-Anna-(Lillian Gish) llega casa de unos parientes ricos donde conoce a un perverso mujeriego-Lennox-(Lowell Sherman) que la engañará y vivirá con ella en un falso matrimonio que además ella debe mantener en secreto. Anna termina contando a su madre su estado, él, le dice la verdad y para colmo su madre muere…aquí termina la primera parte.

En la segunda comienza con Anna con un bebe enfermito y en una escena brutal en la que se ve como se despide de él, ella misma lo bautiza y sale un primer plano llorando…
Luego la echan de la habitación y sale sin rumbo fijo y desolada en busca de cobijo. Una familia puritana la acoje como criada y parece recuperarse del trauma e incluso comienza a enamorarse del chico de la familia –David-(Richard Barthelmess), pero aparece en escena de nuevo Lennox como vecino, el padre se entera del pasado de la chica, pero no de toda la historia sino de lo que una arpía sin escrúpulos le suelta, Anna desesperada y rabiosa dice toda la verdad y sale huyendo en plena tormenta de nieve, le sigue David y los demás, l.4as escenas son espectaculares, por rios, bloques de hielo, catarátas…(escenas con filtros azules para dar sensación de frío) al final David rescata a la chica semicongelada y al borde del precipicio y claro se casa con ella ;)


En fin, la capacidad narrativa y el despliege de medios de David.W. Griffith es espectacular, y evidentemente se nota ya una habilidad en recursos cinematográficos impresionantes para esa época; como ya lo había hecho en “Intolerancia” o en “El nacimiento de una nación” (al margen de que se le pueda acusar de racismo por la escena del KKK y por poner a los negros como malos o buenos pero tontos esto es debido sin duda a ser hijo de hijo de un coronel sudista arruinado por la guerra civil y a la época,-claro que esto pasaría con muchas películas como lo que el viento se llevo”- pero de eso hablaré al hacerlo de esta peli), su influencia en directores de esa época (y posteriores) fue determinante.

Por cierto, hablando de 1920, hay una exposición de Man Ray en la Fundación ICO , en Madrid, donde podeis contemplar un montón de retratos de personajes famosos en ese año, bueno y muchos otros años claro...

Nota: Way Down East: 7.6
           Amanecer: 9.2

Dr. Jekyll y Mr. Hyde (El hombre y la bestia)

Un comentario de mi amiga Desconvencida sobre el problema del trastorno o Desorden bipolar me hizo recordar además de un título llevado al cine en multitud de ocasiones, un problema que tienen algunas personas, incluso cercanas, más de lo que uno quisiera pensar. Un amigo parece tener ese problema y me temo que es bastante serio, pero no voy a ponerme muy dramático, así que me mejor paso a enredarme con algunas de las mejores cintas de la historia y me temo que tendré que hacer uso del término “bi” o sea hacer dos post, porque es un tema fascinante.

Todas las películas sobre el Dr. Jekyll y Mr. Hyde se basan en la fascinante novela de Robert Louis Stevenson, publicada por primera vez en inglés en 1886, cuyo título original es The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde. Trata acerca de un abogado, Gabriel John Utterson, que investiga la extraña relación entre su viejo amigo, el Dr. Harry Jekyll, y el misántropo Edward Hyde. 

Parece ser que el libro lo escribió bajo los efectos del LSD, esta cuestión es interesante sin duda, pues las drogas ,en general, son fuente inequívoca de la alteración del comportamiento humano y la base del argumento es la lucha interna del bien y el mal, aunque también describe especialmente el período victoriano -como la respetabilidad externa y la lujuria interna- sin duda una prueba clara de esa lucha.

La primera peli que voy a comentar es la de 1920 Dirigida por John S. Robertson (ya se hizo otra interesante en 1912). Esta protagonizada en su papel principal por John Barrymore, quien acapara toda la atención de la película (importante familia de actores de Hollywood, el abuelo de Drew B., la niña de E.T. vamos). Los efectos especiales son innovadores para la época, así el morphing -o sea el paso de una cara a otra- se ve sin cortes por primera vez, también incluye escenas monocolor con tonos azules para el exterior y marrones para el interior si bien en alguna escena, están confundidos los tonos (al menos la copia que vi yo) como la escena en la calle con el niño y en otros los marrones son casi ocres, amarillemtos o rojos, pero vamos para ser en el año 20 tampoco puede uno ser malo.

La caracterización de Hyde me gusta, vamos que impresiona, no sería un tipo al que me gustaría ver por la calle y la música acompaña muy bien durante toda la película, cosa que en el cine mudo evidentemente es muy importante, (vi una versión original, con lo que supongo que la banda sonora también lo era). Evidentemente refleja la época victoriana perfectamente debido a la proximidad temporal así como la diferenciación de los aspectos positivos y negativos del doctor, la relación con su amada y sus amigos. El aspecto lujurioso no es tan importante en esta película en relación a otras versiones. El final del personaje es todos los casos el mismo si bien esta es una de las primeras versiones lo cual le da un valor añadido, el mal se apodera del doctor.



Las películas de 1931 y 1941 así como otros comentarios sobre alguna versión más como la de Renoir, las dejo para un momento posterior de la semana que viene para que descansemos todos, que sino me voy a trastornar ;)

Nota 7.2

El Gabinete del Doctor CaliGari

¡Si de verdad quereís pasar miedo entrar a este gabinete! Esta es una esplendida película dirigida por Robert Wiene en 1919, sin duda una de las mejores obras del expresionismo alemán junto a Nosferatu (1924) de F.W Murnau, con un uso decorados alucinantes que hoy en día pasarían como supermodernos, con toques cubistas e inclinaciones inverosímiles también en los ángulos de las cámaras o en los tonos de la película.

La trama se desarrolla en seis actos, en la ciudad de Holstenwall, en ella hay una feria ambulante, y Francis convence a su amigo Alan, estudiante, para que vaya a verla con él. El Dr. Caligari, uno de los componentes de la feria, le pide a un empleado del Ayuntamiento que le consiga los permisos necesarios. El empleado se burla de él y al día siguiente aparece asesinado. Francis y Alan, que están en la feria, acuden a ver al Dr. Caligari y a su sonámbulo, Césare. Este lee a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.


Desde luego el ambiente que crea esta película es fabuloso digno de una obra maestra que sin duda ha influido a otros géneros artísticos, cualquiera podría pensar en el After Punk, los Góticos y al própio cine ya sea general, el cine negro, al clásico (Hitchcock) o el actual (Tim Burton).

Como anécdotas, es interesante destacar que el productor Erich Pommer quería que Fritz Lang, otro de los grandes maestros también del expresionismo alemán (ver Metropolis-11Junio-2006), dirigiera la película pero éste ya tenía otros compromisos y que el guión se baso en un hecho real ocurrido en Hamburgo si bien se modifico significativamente.

Nota 8.7

El Chico

Con el comienzo de la película nos dan una pista bastante contundente sobre esta película: “Una película con alguna sonrisa y quizás una lágrima…” (¿qué más puede pedir a una obra maestra del celuloide

?) …y esto lo consigue Charles Chaplin con una contundencia y una sencillez brutal, derrochando humanidad y humor a la vez, que placer para la vista y el oído, si por que también la música nos acompaña y de manera fundamental con las imágenes en blanco y negro nos dejan unas sensaciones profundas… Ah! ese sueño imaginario de Chaplin ¿sería posible en color??…puede y si no recordemos el cambio de tonos de “el Mago de Hoz”, pero en cualquier caso no entendería esta película coloreada, eso seguro.

Fue uno de los primeros mediometrajes rodado y protagonizado por Chaplin en 1921, con gran éxito ya en su época que contó con la gran actuación de “el chico” Jackie Coogan.

Bueno el caso es que Chaplin, para mi gusto esta soberbio, la facilidad con la que uno pasa de la carcajada sincera a la tristeza mas absoluta es fantástica (no se si influiría la muerte de un hijo que estaba esperando, o simplemente su genialidad) pero la historia del niño recién nacido abandonado en un coche de una familia de millonarios que por cuestiones del destino acaba en manos de Charlot es sobrecogedora. Escenas como las comidas de Chaplin y Jackie Coogan son fantásticas o cuando salen a trabajar y no tienen más remedio que usar la picaresca para sobrevivir o la escena de ellos dos boxeando, es cine mudo en acción en su máxima expresión. En fin creo que podía estar escribiendo durante horas pero lo mejor es que veais la película si no la habeis visto sería imperdonable dejar pasar esta película por alto, es un clásico (bueno o mejor decimos película antigua, jeje), obra maestra sin la menor duda, pero creo que es algo más,…

Y hablando de actuaciones, ayer estuve en la sala ocho y medio viendo a “Virus” el grupo de la Hermana de Desconvencida, es un virus nada peligroso y muy recomendable, lleno de energía y además viéndolo “en familia” uno agradece estos conciertos.

Nota 9.3

El Maquinista de la General

¡No se si me hace reir o me pone nervioso a veces este chico!, Si estoy hablando de Joseph Francis Keaton, osea Búster Keaton, que nació en el siglo pasado…bueno no, perdón en el anterior, jeje, en el XIX, ¡Cómo pasa el tiempo eh!, y es que estamos hablando de cine mudo, donde la expresividad y la música, donde la fotografía en b/n y los grandes guiones hacían de las películas grandes obras de arte. Sin embargo este film rodado en 1926 le costo a Búster Keaton un fracaso comercial en el que invirtió gran parte de su fortuna. Aquí no existían ordenadores, así que escenas como las de un tren desplomándose no podían rodarse más que una vez.
El público no tomó de buen agrado esta película aunque para Búster y mucha gente esta considerada como una obra maestra. La película toma un hecho real como base argumental pero se manipuló absolutamente para darleun toque cómico y un final feliz, vamos que al final los parecidos con la realidad son que existía la locomotora “la General” en la guerra y que la robaron.
Lo cierto es que tenemos a un ferroviario cuya novia lo rechaza por no vestir el uniforme militar, que el ejercito nordista (en este caso los malos) roban a su otra “novia”, “La General”, osea la locomotora en ella también está su “Chica”, el inicia una loca búsqueda …
De todas formas no se que tienen los uniformes militares que les molen tanto a las chicas, yo sólo me los pondría en carnavales o algo así, un objetor.

Nota 8.2

El Gabinete del Doctor Caligari

Hay momentos en los que uno siente miedo y no me refiero a los momentos cotidianos, como cuando tienes que resolver malentendidos con la administración de hacienda o el ayuntamiento o cuando vas al dentista para que te hagan una endodoncia (o a pagarla) sino a momentos mas románticos, como esa sensación que surge de la lectura de un libro o el visionado de una peli.

Por cierto vi la peli dibujos animados de “Astérix y los Vikingos” sacada del fantástico libro del año 1969 “Astérix y los Normados” (trata el tema del miedo, en un tono mas bien cómico… y como siempre me decepcionó (no lo puedo evitar) los cómics son absolutamente geniales y es imposible hacer una peli a su altura.

Bueno que me estoy liando, la peli “el Gabinete del Doctor Galigari” es una de las pelis, que más miedo me provocan, porsupuesto, muchísimo mas que cualquier peli Gore, o las típicas versiones modernas de los estereotipos de dráculas, hombres lobos y demás prole en sus versiones 1,2,3..de las versiones en color salvo muy contadas excepciones (drácula de Coppola). Son espectaculares los decorados pintados que le dan unos matices irreales, (estamos hablando de 1920). Había escenas pensadas para proyectar en tonos virados en colores y no sólo en blanco y negro esto es parte de la cultura del expresionismo alemán (supongo, pero me puedo columpiar :)) . En principio la película la iba a dirigir Fritz Lang pero la terminó dirigiendo Robert Wiene.

La peli trata de dos amigos que visitan una feria y se topan con un vidente, un tal Dr. Caligari que le adivina el futuro a uno de ellos, ni más ni menos le advierte que morirá esa noche, y aparece apuñalado…su amigo investigará esto.

Pelis de esta tensión hay poquitas, talvez…. Nosferatu, La parada de los monstruos, Drácula(1931), lamomia (1932), el exorcista, bueno ademas quedarnos un poco helados con tanto calor tampoco esta mal, claro que otra solución es tomarse un heladito, un coctail o darse un chapuzón, pero yo prefiero el fresco de la noche vampírica a la torridez de las playas, hasta que no esten asfaltadas o con hierba hasta la orilla y con toldo no me gustaran (este comentarío es de un buen crítico de cine de verdad, del señor Pumares).

Nota 8.7

Metropolis

Hay películas modernas, que son viejas, y películas antiguas que son modernas. En este caso, Metropolis, es una peli que despues de 80 años, sigue siendo moderna y que cualquiera puede copiar recursos, guiños, trucos y escenas para hacer montajes, cortos o películas, con la seguridad de quedarles algo realmente bueno (siempre que sepan hacer las cosas con buen gusto, claro)
La peli de Fritz Lang, es una Obra Maestra, creo que eso esta fuera de toda duda, pero ademas sería interesante hablar del impacto que en otros directores ha tenido. Seguro que la fantástica ciudad, ha sido recreada por mas de uno o el androide (que se lo digan a George Lucas...)
Porsupuesto, ademas de una maravillosa visión futurista de la sociedad y de unos diseños flipantes, existe una historia de amor contra las maquinas, un guión como pocos descrito con unas imágenes para hacer historia.
Esta obra que remata el expresionismo alemán es una delicia para la vista, y ademas con las nuevas versiones remasterizadas puede verse en su montaje original y oírse una buena banda sonora.

Nota 9.4