La fiera de mi niña

Parece que la ciencia ficción y sobretodo a color no presume ser un género demasiado apreciado por los visitantes de este blog, supongo que habrá algunas películas como Blade Runner o Alien ya comentadas en mis comienzos que si tengan mas aceptación. En cualquier caso ya sabeís que mi predilección por el B/N sigue siendo abrumadora ya se trate de comedias, drámas, westerns, musicales o una "screwball comedy" que es el género del que voy a hablar hoy, bueno una screwball romántica, ya se sabe que esto de los géneros no son compartimentos estancos. Bueno mas que del género voy a hablar de la peli, una comedia de enredos, con una pareja de las que han hecho historia; Katharine Hepburn y Cary Grant; ya comente la película "historias-de-filadelfia" y tenía esta pendiente (como la semana pasada me tento el Futuro Bloguero, pues aqui estamos). Su primera actuación juntos en el cine no fué ninguna de estas dos, sino "La gran aventura de Silvia" (1935) de George Cukor.

La fiera de mi niña es una peli de 1938, de apenas 100 minutos intensísimos. Dirigida por Howard Hawks y con guión de Dudley Nichols; Hagar Wilde. La música era de de Roy Webb la fotografía de Russell Metty, la productora la todo poderosa RKO.


La historia es una comedia de enredos, que parece no tener fin, comienza sin embargo de forma apacible. David Huxley (Cary Grant) esta apunto de terminar su trabajo con la reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, para ello cuenta con la ayuda de su secretaria Alicia Swallow (Virginia Walker) con la que está apunto de casarse, eso si la chica es todavía mas trabajadora que él y no piensa en una luna de miel, hay que terminar el trabajo, para ello primero debe conseguir un millón de dolares en una partida de golf…

Y aquí aparece la señorita Susan Vance (Katharine Hepburn), una pija que se enamora perdidamente de él, pero que es gafe, por así decirlo, le estropea la partida de golf, le abolla el coche, le rompe el frac, las gafas, le pierde la clavícula intercostal que le faltaba para terminar el esqueleto (bueno ella no el perro terrier)…

Cuando Susan le convence para que le salve de un leopardo llamado Baby la película se enreda definitivamente. Desde tener que comprar 12 (o 10 kilos) de solomillo de una pieza (…no recuerdo), robar un coche, ponerse una bata de señora o perseguir al leopardo con un cazamariposas el tímido profesor pasa por multitud de situaciones humillantes. El momento definitivo llega con la escena en la cárcel, la verdad es que recuerda en cierta forma a los gags de los hermanos marx,, en los que se van acumulando problemas (como el típico caso del camarote) y la señora adinerada que es humillada (la Margaret Dumont de los Marx), en este caso el gracioso el “la” graciosa, la chica.

La película tiene un final feliz, el screwball se creó con la depresión, así que se trataba de animar a la gente, los problemas se resuelven mágicamente y la chica se queda con el chico; la otra chica que se iba a casar pues era poco interesante para él. En cuanto a las actuaciones aunque algunos piensan que Cary Grant siempre sobreactúa me parece que está fantástico en especial en esta película y Katharine Hepburn que se la suponía para papeles más “serios” aquí actúa estupendamente y a mi personalmente no me resulta muy atractiva (aunque es muy guapa) pero aquí si esta atractiva, será también que esta jovencita, jeje.

...bien dice la canción "todo te lo puedo dar menos el amor baby"

Nota 8.8

La Guerra de las Galaxias

Después de pasar una semana hablando de bombardeos, invasiones y la destrucción del malvado intruso era casi inevitable comentar una de las más grandes pelis, trilogías o sagas de la historia del cine, “La guerra de las galaxias”. Ya me incitó mi amigo "Mad", con algún titulo algo más picante, aunque me corte al final y me quede con el clásico de la primera peli de la saga, que luego el mismo Lucas cambiaría. La verdad es que esta serie de películas es como los Beatles, le gusta a la casi todo el mundo, de casi todas las generaciones, aunque quizás a veces resulte algo pasado, sin duda por la cantidad de veces que uno lo ha ...repasado.

Sin duda La guerra de las Galaxias, me refiero en general, pero sobre todo a la trilogía inicial (del 77 al 83) debe su éxito comercial al concepto clásico de aventuras, que no necesariamente a la ciencia ficción; una chica y dos chicos en la flor de la vida con el amor de por medio, unos malísimos casi invencibles y una extraordinaria aventura, en unos paisajes fantásticos, con una banda sonora fantástica (John Williams-ET, tiburón, Indiana Jones y otras maravillas),etc...aquí también entran en juego los recursos antropológicos, religiosos y cinéfilos, perfectamente dosificados.

Creo que se pueden escribir cientos de post sobre esta saga, pero sólo voy a dar unos apuntes y básicamente me voy a referir a la primera trilogía, para mi la segunda en orden de filmación, no me aportó nada especial, si bien me gustó y la vi muchas veces, no me supuso el placer de la primera.

Una de las cosas que mas me interesó fue el “look” del ejercito imperial, en negro y blanco (incluso rojo-marron) sin duda con una mezcla de estilos romanos, asiáticos, en concreto japonés y nazi (los cascos, sobre todo el de Darth Vader, el mas malo, de los malos además del emperador claro), en contraposición con el look de los rebeldes, al más puro estilo “yanki”, con un sinfin de coloridos alegres y anárquicos, anaranjados sobretodo, aunque los Jedi también tenían intoque japo e iban de marrón al comienzo, pero es que ya comentare si tengo tiempo que la trilogía del “2000” es un cacao, para mi gusto.

Son precisamente estas partes de la película, las que tienen que ver con la imagen las que peor envejecen, además de las técnicas, pero no siempre, algunas mantienen un sabor fantástico que superan sin duda a las virguerías de la trilogía siguiente. Quizás sea la parte mas conceptual la que mejor se mantiene y sin duda el guión.

La historia de la guerra de las galaxias esta basada en los antiguos cómics de Flash Gordon, pero G. Lucas tuvo que crear nuevos personajes porque no tenía los derechos, así que creo a Luke Skywalker (Mark Hamill), Han Solo (Harrison Ford) y la princesa Leia (Carrie Fisher) como los buenos de la película en lugar de Flash, para hacer esta aventura espacial.

Es más complicado distinguir las aeronaves y robots de los rebeldes de los del imperio, realmente se podría decir que se tratan de simples máquinas, pero quien negaría que R2-D2 y C-3PO no tienen alma ¿no?, o que la estrella de la muerte no es mala de por sí.

La primera trilogía cronológicamente hablando, que no filmica, es decir los episodios I, II, III, básicamente mantiene la misma estética, claro que aquí los “malos” no son imperio todavía sino república, el emperador era entonces un maestro sith llamado Darth Sidious que tratara de atraer a un jovencísimo Anakin Skywalker al lado oscuro, y lo conseguirá, a pesar de Obi-Wan Kenobi, y Yoda que están presentes desde el comienzo como los buenos, y los robots R2-D2 y C-3PO. La chica será la Reina Amidala/Padmé (Natalie Portman). Una trilogía con muchos más efectos especiales, con más ordenadores, mas conseguidos pero en absoluto mas interesantes y es que posiblemente el guión es mas lioso, se lía mas todo (las tres pelis duran unos 140 min. las de los 70, 120min en su edición original) y se vuelve menos fresco, aun así sigue siendo parte de la saga maravillosa. La influencia de obras maestras en la saga es patente:

Creo que desmenuzar el argumento de “La guerra de las galaxias” es tarea casi imposible, desde luego imposible en un post, y muy difícil en varios, así que ni lo intento. Una idea del mismo creo que casi todos la tenemos. Ah! una cosa, para quien viva en Madrid o se acerque, hay una exposición sobre la famosa saga en el "Centro de Arte Canal", es muy interesante, ya vi algo, en el museo del cine en Berlin, pero esto es una pasada.

aiss, el viernes me dicen si he terminado con la estrella de la muerte o tengo que seguir peleando ;)



Que la fuerza os acompañe….

Nota 8.7

Tú y yo

Hoy es 14 de febrero, San Valentín, el día de los enamorados, para muchos un día como otro cualquiera incluso un día especialmente inapropiado para demostrar cariño, para otros un momento extraordinario para celebrar su vida en pareja. Otros aprovechan este día para hacer negocio sobretodo en época de crisis, para mi, entre otras cosas, es una excusa perfecta para hablar de una comedia romántica, aunque la verdad es que es algo complicado porque hay todo un género dedicado a ello y es imposible escoger una sola pelí, de hecho he hablado multitud de veces sobre el amor a lo largo de estos años, desde películas actuales y "nada clásicas", hasta autenticas "joyas del cine mudo", realmente es un tema presente prácticamente en cualquier historia, quizás no tanto las relaciones de pareja y menos las de hombre-mujer, pero el amor en general es un tema presente en casi cualquier película.

Sin embargo la película que voy a tratar hoy es bastante clásica, no es la historia de amor mas apasionante, pero está bien tratada, con momentos de humor y otros mas dramáticos, una historia de amor entre un hombre y una mujer. Por un lado esta Terry McKay (Irene Dunne) una cantante de clubs de alta categoria que tiene un novio formal desde hace tiempo, es un empresario y está muy bien situado económicamente, desde entonces ella no trabaja. Por otro lado esta Michel Marnay (Charles Boyer) un niño bien que lo único que sabe hacer es pintar a lo no presta mucha atención pues prefiere engatusar a las mujeres y vivir de ellas. 

En el viaje de Vuelta en un crucero de lujo Michel Marnay debe volver para casarse con una joven heredera millonaria a la que hecho el lazo, sin embargo lo que no sabe es que sus planes se van a trastocar al conocer a Terry McKay, en un primer momento no piensa mas que en pasar un momento agradable hasta que el barco llegue a puerto pero se dará cuenta que se está enamorado de ella, un momento clave es cuando va a visitar a su abuela en la escala que el barco hace en las islas Madeira. Al llegar el barco al destino los dos prometen alejarse momentáneamente, trabajar en sus antiguas ocupaciones -cantante y pintor- y volver a encontrarse a los seis meses en lo alto del Empire State a las 5 de la tarde para demostrar que todavía se quieren... La película la dirigió Leo McCarey en 1939 y fue escrita por Mildred Cram, Lerro McCarey, Delmer Daves y Donald Ogden Stewart, esta rodada en B/N e interpretada por Charles Boyer e Irene Dunne en los papeles principales, también destacaría a Maria Ouspenskaya (Grandmother Janou), la película no llega a los 90 min de duración; no me quiero extender más, porque lo que quiero es comentar que el mismo director hizo una versión posterior en 1957 básicamente con los mismos diálogos, las mismas tomas y planos pero claro...sustituyendo a los actores, si bien tienen un aire parecido, la elegancia y tez morena de Cary Grant haciendo el papel del chico, esta vez de Nicolo Ferrante en lugar de Michel Marnay (un pequeño cambio en el nombre del protagonista, quizás quedaba mas “playboy” ese nick) y ella, Deborah Kerr, en lugar de Irene Dunne haciendo el papel de Terry, por cierto que tiene un cierto aire de monja, (más en la segunda versión), y da un cierto aire de moralina la peli, como si la ricachona guapa no fuera a hacerle feliz al playboy.

Por lo demás es todo prácticamente igual con la diferencia de que se regodea más en las escenas, pero personalmente no aporta nada nuevo, simplemente dura más la película (de 90 minutos a 120), por ejemplo cuando están con la abuela él le regala un cuadro a su abuela, bien...no aporta nada, aunque tampoco quita, la cuestión es que esta en color y actúa Cary Grant uno de los más grandes, desde luego para quien ha visto esta versión primero es complicado que le guste la primera y viceversa, sin embargo siempre apoyo la primera versión.. Hay una tercera versión de 1994 llamada Love Affair en castellano “Un asunto de amor” (película de 1994) protagonizada por Warren Beatty, Annette Bening y Katharine Hepburn (última aparición). 

En fin que cada uno celebre como quiera este día o que no lo celebre, ...la verdad es que para los enemigos de celebraciones por lo de no apoyar a las grandes cadenas comerciales, siempre se les puede decir que se puede demostrar el cariño sin gastarse un euro, haciendo un poema, o una canción o algo que nos cueste habitualmente, no sé cada cual sabrá, ¡ah! y también se puede hacer regalos jeje!!...yo como no tengo pareja os dejo este post de regalo, felicidades a los enamorados Voy a ver si encuentro unos poemitas de amor que redactaba el gran German Monster en el capítulo "Cyrano de mosterac" o algo así...si lo encuentro lo pongo, ¡¡¡ese si que era un Don juan!!!

Nota 8   (las 2)

M*A*S*H

Estaba el miércoles tumbado para hacerme unas pruebas médicas, nada serias, (no os preocupeis) pero si algo pesadas por su duración, y mientras esperaba allí, escuchaba a las enfermeras sus conversaciones que oía a medias, e imagine a enteras lo que quise, y como todavía uno tiene algo de malicia y un poco de ingenio me empecé a reir y a recordar una peli sobre enfermos y médicos de la guerra de Corea, la peli era M.A.S.H.

El éxito del film que hoy comento se debe en parte al guión de Ring Lardner Jr. , guión basado en la novela "M*A*S*H: A Novel About Three Army Doctors(1968)" del cirujano y escritor norteamericano Richard Hooker y en sus experiencias en Corea y en concreto en los Mobile Army Surgical Hospital, es decir los Hospitales móviles quirúrgicos de la armada americana. La película fue dirigida espléndidamente por Robert Altman en 1970, que en esa época era un director de pelis de series B y telefilms así que esto resultó un bombazo en su carrera; este punto de vista realista de la guerra resultó innovador en esa época lo que se estilaba todavía era la “guerra clásica” la fox (con la que rodaba Robert Altman) centraba sus esfuerzos rodando “Patton” y “Tora, tora, tora”, estas pelis realistas no estaban ni mucho menos de moda, luego si y vendrían películas muy famosas (Apocalipsis now ´79, El cazador ´78,…) con ese estilo aunque mas crudas.

Más que la historia en sí, lo interesante son los gags y como están enlazados, la justificación o el gancho es el la llegada al la unidad M.A.S.H. de dos nuevos cirujanos, 'Hawkeye' Pierce (Donald Sutherland) y John McIntyre (Elliot Gould), éstos trabajaran duramente y su comportamiento profesional será correcto, pero fuera de su jornada laboral harán todo lo posible para que su estancia allí sea lo mas llevadera, desde jugar un partido de béisbol o jugar al golf, hasta viajar a Japón para hacer una intervención quirúrgica de menor grado para tomar el fresco un poco.

Es de destacar la caracterización de los personajes, desde el capitán, que comprende perfectamente la necesidad de tener esos ratos de humor (no se si eso en la realidad sería así); el cura; Radar (Gary Budghoff), que también haría el papel en la serie y sería el único que lo haría en los dos casos; o la entrañable “Labios Ardientes”, Major Margaret (Sally Kellerman).

Tanto Donald Sutherland como Elliot Gould fueron lanzados al estrellato después de esta peli. Otro dato interesante fue el enorme éxito de la serie protagonizada por Alan Alda durante mas de 10 años, a veces las series de TV sirven de inspiración a películas (Los Simpson), y otras, como esta, al contrarío, además ha provocado más de una serie, o acaso house o médico de familia no podrían ser herederas suyas, salvando las distancias claro.

No es por crear polémica, aunque con el tema de la pobre chica italiana algún comentario saldrá, pero si algún día ando mal (que no me pille Berslusconi ni el Papa) espero que me suiciden como al dentista de la unidad MASH ya se sabe que según ellos el suicidio es indoloro (suicide is painless).
Buen fin de semana ó buena semana.

¿Os suena esta imagendel suicidio del Doctor?...¡el gran"Buñuel"!

Nota 8.2

Laura

Después de una temporada “oscura”, nada mejor que volver con una cinta de cine negro, un clásico - de los años 40- y retomo el blog además con una protagonista que dejé en un post reciente, la bella Gene Tierney.
La película en cuestión es “Laura” posiblemente una obra de culto del director Otto Preminger. La verdad es que la película nos muestra no sólo una historia policiaca, (el asesinato de una joven), sino una trama de celos y obsesiones amorosas que van mas allá de la vida (el enamoramiento del detective por la asesinada) e incluso aparecen detalles que me recuerdan al post de hace dos semanas (el tributo a los muertos a través de un cuadro, Laura y el fantasma de la casa embrujada)

Lo cierto es que la narración discurre con notable soltura, apoyada en unos diálogos fantásticos sin duda interpretados estupendamente; la fotografía de Joseph LaShelle realza el dramatismo de las escenas y quizás pondría un pero, al menos a mi entender, claro que no lo digo porque es un dato del final de la peli, eso si ¿la criada no debería llevar gafas? ;)

El flashback se usa para recordar los momentos mas interesantes de Laura con los sospechosos.

Basado en la novela "Ring Twice For Laura", de Vera Caspary, La acción tiene lugar en NYC a lo largo de unos días, de viernes a martes, del caluroso agosto de 1943/44. Laura Hunt (Gene Tierney) ha sido asesinada. El detective Mark McPherson (Dana Andrews) se hace cargo del asunto, interrogando al periodista Waldo Lydecker (Clifton Webb) y Shelby Carpenter (Vincent Price), el prometido de la fallecida, ambos claros sospechosos del asesinato. Mientras Mark McPherson va descubriendo mas cosas de Laura y de su vida, sus perfumes, sus gustos, el cuadro, etc, y se va enamorando de ella, así tenemos tres historias de amor, celos, adoración, obsesión...y un cadáver o presunto cadáver, porque algo ocurrirá a lo largo de la narración, pero no debería destapar el frasco de las esencias de Laura, no al menos para quien no ha visto la peli, así que os dejo con la intriga...

Creo que la película tiene multitud de detalles y curiosidades, esta ante todo bien cuidada y elaborada. Por ejemplo es interesante que comenzara el trabajo el amigo Momoulian, no se como la habría enfocado, quizás más intimísta. Otro detalle que me resulto curioso es el objeto que usa Dana Andrews para concentrarse en sus pesquisas (una cajita con un dibujo con algunos agujeritos y varias bolitas metálicas), ese mismo jueguecito lo tenía 
el Spencer Tracy en “La ciudad de los Muchachos” tres años antes, en 1941. 

Los objetos y todo lo que encuentra Dana relativo a Laura también parece algo obsesivo, sobretodo suponiendo que esta muerta, aunque los otros personajes cercanos a ella no parecen ser tampoco muy normales, mas bien se les podría llamar seres extravagantes, hoy en día freaks o como se diga.(ya se sabe eso de escribir en la bañera,....¡bueno podéis declarar sin ruborizaros quien escribe posts en la bañera eh!)

Hace mucho que no hablo de pelis actuales y es que no voy mucho al cine, he visto alguna peli curiosa como la comedia francesa “Bienvenido al Norte” y la inglesa que me recomendó Troyana “En un Mundo Libre”...tengo que ir más al cine, es que con estos fríos!!!

Nota 8.6

Auuu!!!

Esta semana he estado “ausente” de vuestros blogs, por usar un termino suave, por culpa de un cólico que me tuvo de juerga en urgencias todo el día la semana pasada, me quedan algunos deberes que espero se resuelvan pronto, en cualquier caso son molestos pero nada mas.
Así que como no he visto ninguna peli no voy a comentar ninguna, ya que sólo comento la que he visto durante la semana, cosas mías.
Pongo a modo de referencia un fotograma de la peli “Que verde era mi valle”, de John Ford, en referencia a las minas y el sufrimiento y el duro trabajo de los mineros para sacar las piedrecitas, jeje…

Es que me hago mayor, …¿y yo por qué pienso en esto ahora? ;)

Tengo retrasado trabajo, así que poco a poco iré haciendo las visitas como siempre, disculpas a todos.

Y felicidades a Desconvencida, ella si que está radiante y juvenil jeje, 31 primaveras...bueno inviernos ;

El fantasma y la señora Muir

Hitckcock era un maestro en esas cosas de rebuscar en el fondo de la mente, ya lo “recordábamos” la semana pasada, la mente es un rincón donde se esconden también sensaciones y sentimientos, aunque algunos dirían que estos van a parar al corazón, pero eso sería correcto poéticamente hablando. La atracción es un sentimiento repentino, incontrolado, irracional, emergente y magnético, como la resaca del mar o un remolino, te atrapa sin remedio. Eso parece ser que fue lo que le ocurrió a nuestra protagonista del post de hoy y lo que en ocasiones nos ocurre a los demás mortales.

La película en cuestión es “El fantasma y la señora Muir” dirigida por Joseph L. Mankiewicz en 1947, cuenta con el guión de Philip Dunne y la extraordinaria música de Bernard Herrmann (“vértigo”), además no se debe olvidar la fotografía que apoya lo anterior obra de Charles Lang Jr (Con Faldas y a lo loco”, “Sabrina”, “Los Sobornados”). Bien estos son datos técnicos que pueden ser interesantes, pero la película creo que no dejaría indiferente a nadie.

La trama comienza con la visita de la señora Lucy Muir (Gene Tierney), una joven y bella viuda a una casita en la costa del sur de Inglaterra. La casa “La Gaviota”, parece imposible de alquilarse, por la presencia de un fantasma, pero Lucy siente una atracción especial por la casa desde el primer instante y por aquel lugar. A pesar de los esfuerzos del fantasma, o sea el antiguo dueño de la casa, el capitán Gregg (Rex Harrison), para asustar a la nueva inquilina y expulsarla, esta no se va y se enfrenta a él incluso teniendo a su cargo una niña de cinco años, Anna ("Natalie Wood").

Al final entre las dos personalidades tan opuestas, un rudo “espíritu flotante” de marinero y una educada mujer “viviente” de Londres surge un romance imprevisible e imposible. Él se retira discretamente para que ella viva la vida, pero se enfurece al ver como encuentra a su paso aprovechados que quieren engatusarla, de todas formas, Lucy es adelantada a su tiempo, parece un poco reivindicar cierto feminismo con clase, no se asusta, no necesita de un hombre para ser feliz, el libro sobre el marinero le agrada y no las sutilezas de su época y así pasan los años. Pero no sabe si la historia de aquel marinero fue un agradable sueño, una invención de su mente o algo que ocurrió realmente…

La historia de la señora Muir es una preciosa historia de amor, un amor imposible entre un mortal y un espíritu, un amor platónico, con destellos de fantasía y humor, contado con gran estilo y habilidad. La ambientación es magnífica, haciéndose referencia continua al mar y homenajeando la vida de los marineros. Una peli que resultará atractiva y no creo que os deje resaca ;)

Nota 8.2

Recuerda

Bien, ya se acabaron las fiestas navideñas y volvemos a lo serio, a comentar películas de verdad y aunque tenía una en el tintero, bueno tengo bastantes, la nevada de ayer me trastoco los planes, son arrebatos que me dan, creo que trendré que ir a un psicólogo. El caso es que una de las fotos que hice por la mañana, antes de ir al trabajo me recordó a la octava película de la etapa americana de Hitchcock, “Spellbound” o “Recuerda” en castellano, cierto es que no la considero la mejor del director, pero es muy interesante, quizás por ser mas romanticona que otras -esa pareja Peck/ Bergman me parecen muy elegantes- y también mantiene notas comunes a las demás películas, como el falso culpable o el juego con la mente de las personas y la capacidad de asombrarnos.

La película como hemos dicho, fue dirigida por Alfred Hitchcock en 1945, con guión de Ben Hecht, basándose en la novela de "The House Of Dr. Edwardes" (1927), de John Palmer y Hilary St. George Sanders. La música es una de las bases fundamentales de la película, contribuye a realzar magníficamente los estados de ánimo de los personajes, y Miklos Rozsa era un maestro, también hay que destacar la fotografía de George Barnes, a esto sin duda debemos añadir a uno de los maestros del siglo pasado , a Salvador Dalí, que contribuyo con la escena del sueño que aunque al final se quedo en 3 minutos en principio eran 20, en cualquier caso se ve la clase de Dalí con esos enormes ojos o la rueda retorcida, iconos clásicos del maestro.

La acción comienza y concluye en el sanatorio psiquiátrico de Green Manors (Rochester, EEUU). A la clínica llega Anthony Edwardes (Gregory Peck) que se incorpora con el cargo de director del sanatorio en sustitución del antiguo director, el Dr. Murchison (Leo G. Carroll). En el mismo centro trabaja la psiquiatra la Dra. Constance Petersen (Ingrid Bergman) quien se enamora repentinamente del nuevo director. Parece que el nuevo director tiene problemas y la primera en descubrirlo es Constance quien se escapará con él al descubrir que podría ser acusado de un asesinato del cual ella no le cree culpable, para ello usara sus habilidad como psiquiatra.

Evidentemente el final no lo voy a contar, aunque la mayoría lo conocereis, alguno ya lo habrá olvidado o no lo conseguirá recordar, quizás por algún sentimiento de culpa, el caso es que nada mejor que volver a ver la película ¿no?

Nota 8.5

Ademas de la foto que me hizo recordar la película os dejo alguna otra de la nevada de Madrid, no creo que vuelva a ver otra parecida en años, aunque quien sabe, pero yo no recuerdo una así desde hace tiempo.

¡Que vienen, que vienen!

Se supone que debería comenzar el 2009 con un peliculón, pero las fiestas ó la edad no perdonan, así que de momento os librareís del comentario semanal de Atikus, claro que quizás vosotros tampoco estéis para muchas lecturas.

La verdad es que en estas fechas lo que de verdad desearía sería volver a ser un niño de unos 5 o 6 años -pero por poco tiempo eh, que no creo que a una Marilyn le gustará mucho tener relaciones con un peque, jeje-, un crío que estos días está disfrutando como nadie la navidad, que o piensa en un Papá Noel barbudo bajando por una chimenea mágicamente adaptada a él ó subiendo ágilmente por la ventana, ó que está esperando a ese trío de magos que se resiste al poder de la ciencia moderna y reparte millares de juguetes en camellos en lugar de rápidos automóviles, eso sí ayudados por miles de pajes y a veces dobles o asistentes de gran parecido a familiares cercanos o muy cercanos.

Es cierto que esa ilusión no es compartida por millones de niños que viven en sitios tan dispares como el Congo, donde la violación de los derechos de los niños es arrasada por el Coltan, bueno por la avaricia y malicia del hombre, así como en Palestina, o en sitios mucho mas cercanos, incluso a nuestro lado, porque la maldita crisis toca a millones de personas, por su puesto no se debe olvidar esto, ello significa ser solidarios, cada uno en su medida, con los de lejos y los de cerca.

Aunque uno tira mas hacia los republicanos y agnósticos, si bien creer, creo en pocas cosas, siempre me permito el derecho a pedir algo a sus majestades de oriente en vísperas del 6 de enero (al simpático Gordito de gorro rojo de la coca cola se lo dejo a los nórdicos y a los yanquis), como eso de pedir es gratis y se estila mucho…eso si las peticiones y deseos son secreto que si no, no se cumplen pero podreís suponer que no pido nada material ni económico ;)

Os dejo con un video, ya comentaba al principio del post que me encantaría ser un niño, pues bien, gracias a la magia del cine, uno puede volver a ser niño por unos instantes, incluso abrir las puertas y encontrarse los regalos de los reyes y jugar con ellos, dejo algunos de esos momentos y otros diferentes condensados en algo mas de dos minutos, son trocitos de super 8 de hace casi 40 años…puff!

Bye, Bye Baby

Me temo que estos últimos días del año ando perezoso por el blog y ocupado entre festejos y comilonas así que he dejado de lado un poco mis actividades como cinéfilo, pero no del todo ¡eh!,

Espero que el 2009 a pesar de la crisis, sea un año DE CINE para todos
y que las ESTRELLAS seais vosotros, todo es cuestión de tener un poco de suerte
para montarse un año DE PELÍCULA, estoy seguro de ello y que todo irá RODADO
para mis queridos blogueros/as.

Un abrazo y muchos besos. By, bye baby ;)

La Gran Familia

Parece que fue ayer cuando estaba tomando el sol en una terracita de Donosti en pleno agosto y ya estamos en la semana de la Navidad y también parece que fue ayer (para mi) cuando me ponía la bata como el señorito críspulo para levantarme a ver los regalos que los reyes me habían dejado, más o menos tendría su edad, bueno la verdad es que todavía no había nacido, pero no tardaría mas de dos años en hacerlo desde que se rodó la película “la gran familia” y no me resultan nada extrañas las escenas de esa marabunta deambulando por los pasillos con juguetes y bocadillos, chillando, arrasando los mayores a los más pequeños cual ley de la selva, porque aunque en casa no llegábamos a los extremos de ser 15, si éramos seis y si se juntaban primos, de una o dos familias se llegaba sin ningún problema a ese número. Claro alguno que otro se perdía por el camino como chencho y aunque nunca definitivamente, reconozco que una vez me intente escapar, que no perder, pero con 4 ó 5 años no pude llegar más lejos del colegio de párvulos que estaba a dos manzanas de casa, todo un mundo en aquel entonces, ¡vamos ni Juan Sebastián Elcano! , creo que la escapada era una protesta porque no quería ponerme el babi, uno que siempre ha sido presumido ;)


“La gran familia”, es la historia de una familia numerosa, con 15 hijos y el abuelo, una historia sencilla desarrollada a lo largo de un año, en la que se cuenta la vida académica de los críos y el pluriempleo del aparejador Carlos Alonso (Alberto Closas), el padre de familia que tiene que trabajar a tope para mantener a todos. Además esta el portero de la finca un señor de hablares peculiares (Pascual, Erasmo) que tiene que aguantar las travesuras de todos y en especial las de crispulo (Pedro María Sánchez). Otro de los personajes más entrañables es el Padrino, (José Luis López Vázquez), padrino de 5 de los chicos pero que en realidad lo es de todos y que es dueño de una pastelería a la que atacan los peques de camino al cole con frecuencia.

La narración del film es sencillo, el trabajo del padre, los niños en el cole, las comuniones, la madre en el mercado, las vacaciones, todo contado con un sentido del humor especial apoyado por unos cómicos únicos que hacen el largometraje especial. La historia tiene un final especial con la ya famosa escena de chencho perdiéndose en la plaza mayor, su búsqueda y encuentro, eso quedará para siempre en mis recuerdos, la dictadura apoyo esta peli ensalzando valores que le venían bien, pero lo interesante de esta película está en sus artistas, su historia, su gran comicidad y su esfuerzo en entretener y divertir al público y sin duda cada vez que la veo lo consigue.

El guión es de Pedro Maso, la fotografía muy interesante de Víctor Benítez, la dirección corrió a cargo de Fernando Palacios, quien dirigió películas muy taquilleras en esa época, como El día de los enamorados (1960), Tres de la Cruz Roja (1961), o Vuelve San Valentín (1962); musicales –con "infantes prodigio"- como Juanito (1960), Marisol, rumbo a Río (1963), Búsqueme a esa chica (1964) o Whisky y vodka (1965); Operación Embajada (1963) o La familia… y uno más (1965), por desgracia falleció demasiado pronto.

Algunas escenas son fantásticas y en especial las actuaciones de actores de la categoría de Pepe Isbert uno de los más grandes del cine español sin duda, el trabajo con los chicos según el productor Pedro Maso fue casi de autentico abuelo, las escenas con chencho y él son antológicas. Otro de los que se sale sin duda es José Luis lópez Vázquez, en uno de los personajes mas entrañable y recordado en el cine español, la escena del encuentro con la profesora de carlitos (Jaime Blanch, que tendría también una larga carrera luego), es de las más divertidas que recuerdo.

Otros actores ya consagrados como Alberto Closas, Amparo Soler Leal, Julia Gutiérrez Caba, María Isbert,dan una consistencia absoluta a la película y los chicos, practicamente todos desconocidos una frescura especial, el resultado es una historia muy directa y graciosa, que hoy contemplamos los cuarentones, al menos yo con una amplia sonrisa, porque es una comedia de lo mas animada, eso si salvo los minutos que desaparece chencho , uff, ¡¡que drama!!!

En fin, espero que disfruteis de una feliz Noche Buena y no menos interesante Navidad, a los que estas cosas no os gustan, que se pase rápido, quizás con alguna de las peli que teneís por aquí, no, no de navidad claro, jeje...

y para todos, como decía ET, sed buenos, estaré aquí mismo!!!

Nota 8

Kramer contra Kramer

La verdad es que cuando llega la Navidad la gente se divide en dos frentes los anti y los pronavideños, evidentemente como Capriano que soy, estoy en los últimos, pero reconozco que hay algunos puntos engorrosos, como la pasta que la gente se deja en regalos absurdos, las comilonas salvajes, y las tensas reuniones familiares que a veces desunen mas que unen, desde luego hay otros puntos negativos, pero también los hay positivos y muchos, y me quedo con ellos siempre, no puedo evitar sentirme feliz viendo a un peque aplastando la nariz contra un escaparate o arrugando con sus deditos los catálogos de regalos de los centros comerciales, pero sobretodo viéndoles abrir los regalos el 24, 25 o el 6 de enero, también hay otras reuniones de amigos y familiares, 24, 31 y días especiales...pero claro hay familias y gente que pasan por situaciones especialmente duras, las que han perdido un ser querido o las que se acaban de divorciar, en ese contexto me vino a la memoria una película de finales de los 70, Kramer contra Kramer, una historia bastante común pero contada con habilidad y sensibilidad.

La película fue dirigida estupendamente por Robert Benton en 1979 y obtuvo un éxito de taquilla espectacular así como un montón de premios y Oscars, hoy sigue teniendo vigencia y funciona bien pues el tema sigue de plena actualidad, aunque quizás el filme no tiene tanta fuerza. El Guión es del mismo director, la fotografía de Néstor Almendros y la música de Herb Harris.

La historia comienza con Ted Kramer (Dustin Hoffman) en la agencia de publicidad ganando una cuenta, a costa de trabajar hasta altas horas de la noche y perdiendo por la noche a su mujer Joanna (Meryl Streep) que decide abandonar el hogar conyugal y a su hijo a pesar de quererlo, por no aguantar la situación de sentirse una chacha, diciéndolo vulgarmente. Él parece no entenderlo, quizás no habían hablado de ese tema, pero no hay vuelta atrás y tiene que aprender a cuidar a su hijo y a trabar como antes, eso se vuelve casi insoportable, durante 15 meses lo aguanta como puede y de repente Joanna se da cuenta que quiere tener a su hijo, se lo pide a su ex, Ted y surge una pelea en los tribunales, una pelea que ninguno de los dos quiere, al menos de la forma que la plantean los abogados.
El hombre es el malo y la mujer la buena, eso parece dictar la ley de manera inexorable, pero la película parece querer dar otro final, y los dos kramer también, los dos sólo piensan en su hijo.

La verdad es que en esta película claramente se nos posiciona a favor de Ted, al menos eso creo, el final podría ser un happy end, pero no lo sabemos, (bueno supongo que un happy end sería que se reconciliara la pareja) Joanna aparece como una mujer inestable que de ningún modo se merece tener el niño, pero la verdad es que tampoco sabemos nada de su vida y por desgracia no aparece más en la peli, porque esta muy bien pero aparece poco. Posiblemente sea mas original plantear esta situación en la que es el padre quien se queda cuidando del niño y la madre abandona y luego pide la custodia, pero no creo que eso sea muy normal, normalmente tras la separación los dos pedirían la custodia. Sin duda mi escena favorita es una doble, la de las tostadas francesas, cuando acaba de dejarle Joanna a Ted y le hace el desayuno a su hijo y luego cuando esta a punto de despedirse de su hijo porque perdió la custodia y ya hace unas tostadas perfectas, ¡¡¡además dan unas ganas de hacerse las tostaditas!!!


Por lo visto la peli duraba casi tres cuarto de hora mas, menos mal que recortaron, porque no hay nada como una historia bien contada y en su justo tiempo, pocas pelis se pueden permitir pasar de las 2 horas, las obras de arte como “el padrino”. pero eso es otra historia..., ésta está muy bien, pero sin pasarse tampoco, Esperemos que las historias familiares de la gente no se estropeen estos días. Eso si mientras no recorten las películas como la RAI vamos bien, es que esto me ha recordado a los tiempos que mencionaba Guissepe Tornatore en Cinema Paradiso , desde luego no soy padre pero preferiría que los chavales vieran una peli como Brokeback Mountain al señor Berlusconi diciendo tonterías, en cualquier caso no se iban a enterar de nada, la tele no es nutritiva por mucho que digan los Aviador-Dro, a pesar de ello les iré a ver el sábado que viene.

Nota 7.8

La última película

Esta semana tampoco abandonaré el blanco y negro, aunque me adelantaré casi 40 años, hasta 1971. La peli de la que quiero hablar es un relato amargo y triste sobre la decadencia y abandono de un pueblo perdido de Texas en los años 50 y la historia de dos chavales, esta historia podría haber ocurrido en un pueblo perdido de la geografía española; quien sabe como hubiera tratado el tema Buñuel o Berlanga, por ejemplo. El caso es que hoy parecen repoblarse pueblecitos perdidos con eso del turismo rural, el otro día veía como una pareja londinense era feliz en una parcela de una villa perdida en Galicia, cambiaron unos ridículos metros cuadrados por la felicidad del campo, yo todavía no he llegado a eso pero tiempo al tiempo.


La película la dirigió Peter Bogdanovich en 71, se basaba en la novela de Larry McMurtry y entre ellos, James Lee Barrett y Polly Platt, escribieron el guión. La fotografía corrió a cargo de Robert Surtees y el que se rodara en blanco y negro fue un consejo de Orson Welles, sin duda le da mas impacto y dramatismo a la cinta. La historia se localiza en un pueblecito semificticio de Texas llamado Anarene y gira alrededor de la amistad entre Sonny Crawford (Timothy Bottoms) y Duane Jackson (Jeff Bridges)

Sonny y Duane son grandes amigos que viven en un pueblo destartalado, a Sonny su chica no le termina de convencer prefiere la de Duane, una pija creida y calentona que esta bastante bien, Jacy (la debutante Cybill Shepherd), así que acaba rompiendo con la pobre novia. Sus diversiones son los billares y el cine propiedad de Sam, el león (Ben Johnson) auténtico espíritu del pueblo. Parece que en un momento de la película todo empieza a estropearse; las estupendas fiestas escolares, con striptease incluido de la pija del pueblo, las diversiones, incluso Sonny que había encontrado un rollo, Ruth Popper (Cloris Leachman), la mujer del profesor de gimnasia (como si se tratara de la peli del graduado, anterior a esta peli porcierto) para olvidarse de su antigua novia y Jack la pija, al final también se estropea y todo parece salir mal. El punto de inflexión sin duda es la muerte de Sam, el león, defensor del chico retrasado al que cuidaba y que al final de la película también muere.

Ciertamente parece como si toda la pelicula tuviera un cierto aire deprimente, negativo o pesimista, acentuado por el B/N y las tomas polvorientas y vacías del pueblo, ese es también su encanto y acierto, en contraste con unas películas rodadas en cinemascope y a todo color en esos años. Algunas escenas son especiales, llenas de sensibilidad, el reproche de la mujer del entrenador a Sonny por tratarla tan mal, el final con la muerte del chaval, es la muerte del pueblo, o la conversación de Sam, las escenas de cine con ese homenaje a Río Rojo y Howard Hawks, que es además la última película, un buen final sin duda, claro que ya sabeís que yo soy optimista por naturaleza y por eso me quedo al final con un pequeñísimo mal sabor de boca ya sabeís ... ¡el show debe continuar!

7.8

Tiempos Modernos

La semana pasada me refería en “el Dormilón” a una de las mejores películas de siempre, “Tiempos Modernos”, sin duda una de mis películas favoritas de Chaplin, junto con El chico (la que más), o “El Gran Dictador”, “La quimera del oro”, y cortos de sus comienzos, etc. Quizás “Tiempos Modernos” sea especial por ser una película con destellos del cine sonoro y la lucidez del cine mudo que todavía conservaban muchas películas todavía, una mezcla interesante; además se mezcla con ingeniosa habilidad la tristeza de la depresión de los años 30 y la comicidad de Chaplin, en cualquier caso él controlo completamente la película; desde la producción y realización hasta la dirección y como no protagonizando el papel estelar, el de Chaplin; curiosamente el famoso vagabundo, como tal personaje actuaría por ultima vez en esta película.

Otros actores que acompañarían a Chaplin fueron Paulette Goddard, quien estaba realmente guapa en esta película (quizás el pelo liso le favorecía más que los tirabuzones pero es lo que se llevaba en la época, jeje) y también puede que influyera su relación sentimental con Chaplin en ese momento; Henry Bergman, un clásico que acompaño al vagabundo (es el dueño del restaurante), Stanley Sandford y Chester Conklin (aquí sale como maestro de mantenimiento y chaplin de ayudante dándole de comer en la fábrica entre tuercas gigantes).

La película esta rodada con una meticulosidad total, cada detalle esta estudiado a la perfección, el guión se comenzó a escribir unos tres años antes y escenas como la de la fábrica tardaban en rodarse al menos un mes. Evidentemente no se dejaban las cosas al azar y casi todo tiene su simbolismo. Incluso el mismo personaje de Charlot no aparece como tal en toda la película sino al final, en la primera parte realmente es un obrero que intenta adaptarse al mundo moderno, aunque fracasa en el intento y en una segunda parte es un preso, luego hay otras historias dentro de la película en las que surge de nuevo
Charlot, como empleado en una tienda, como compañero de la vagabunda y en el restaurante, son dos personajes diferentes siendo el mismo.

Para los que no recuerden muy bien la película recordaré un poco que la misma comienza con Charlot en una fábrica -con un look mas bien modernista, que recordaría a metropolis, con televisores y una limpieza inmaculada- y nuestro amigo apretando tornillos en una cadena de obreros mecánizados, le usan como conejillo de indias para probar una maquina de alimentación mecánica para ahorrar tiempo, además de agobiarle con acelerar el proceso productivo acelerando el trabajo, al final enloquece y le acaban encerrando en el loquero. A la salida acaba en una manifa por equivocación y le encierran en la cárcel, tras cometer un acto heroico con ayuda de un “salero” su vida es maravillosa pero deciden que ya es apto para la vida en la calle.

Intenta trabajar pero es demasiado original para la vida mecanizada y rutinaria de la gente normal así que decide volver a la cárcel, así que ayuda a una huérfana culpándose del robo que cometió ella, al final los dos están solos en un mundo terriblemente duro que no les da ni un sitio donde dormir ni trabajo, pero parece que en por un momento Charlot consigue un buen trabajo en unos almacenes, pero sólo dura un día y tiene que volver a la cárcel. A la salida ella a conseguido un trabajo de bailarina y también le consigue un trabajo a él, cuando las cosas parecen salir adelante la policía descubre que ella tiene que ser detenida por vagabundeo y escapan, ella llora pero él la hace reir.

Posiblemente se inspiro en la película ¡viva la libertad! (A nous la liberté) de René Clair de 1931, o al menos plantean el mismo problema del paro, la explotación de los trabajadores y el taylorismo (mas o menos es descomponer el trabajo según rendimiento y tiempo). En cualquier caso la cinta es algo más que una crítica al sistema productivo capitalista e incluso a los poderes públicos, sólo hace falta ver como actúa la policía frente a los obreros por ejemplo; es una obra de arte que va mas allá, con un contenido evidentemente social pero también poético y con un canto a la esperanza y con una buena dosis de humor e ironía, que es lo que hace grande e inteligente a esta película.

Y es que cuando uno ríe, llora, se agobia, enternece, aterroriza, asombra, enfurece…y ve que esos 90 minutos han pasado como si fueran 90 segundos sabe que acaba de disfrutar de una obra maestra.

¡¡Viva Chaplin!!

Nota 9.4

El dormilon

Espero no haber contraído la enfermedad del insomnio de la que hablaba G. García Márquez en su novela 100 años de soledad, el caso es que ando durmiendo muy poco últimamente, eso si para ver pelis esta bien. Una de las últimas que he visto es la divertidísima “El dormilón”, protagonizada y dirigida por Woody Allen en 1973 un año después del Padrino; junto a él actúa como actriz principal Diane Keaton que fue una de las protagonistas femeninas en el Padrino y que formo parte de películas fundamentales de Woody Allen (y de su vida) como en Annie Hall, Manhattan,

La última Noche de Boris G. o Días de Radio, evidentemente su carrera no esta sólo en el circulo de Woody, basta recordar pelis como “Rojos” o la última la que vi hace un par de semanas, “Tres mujeres y un plan” una comedia tontorrona pero graciosa donde la mejor es ella sin duda, igual de mediocre que la última de Woody aunque la critica la ponga bien, a mi no me gusto nada la historia, sin embargo esta vez se salva Penélope.

Pero vamos a ser buenos y a portarnos bien, que quizás el insomnio me hace refunfuñar. La historia del dormilón se refiere a un tal Miles Monroe (Woody Allen) quien tras operarse en 1973 de una úlcera, sufre complicaciones y es congelado. 200 años después un grupo de rebeldes decide descongelarle ya que precisan una persona sin identificar para derrocar al líder del planeta el cual parece que ya ha sufrido algún atentado. Miles no es que digamos un héroe y se resiste, intenta escapar y acaba escondido en casa de una especie de poeta moderna, Luna (Diane Keaton), disfrazado de robot, ella le descubre y le denuncia pero acaba siendo arrastrada a la rebelión.

Miles secuestra a Luna y aprenden a vivir en cautiverio, comiendo frutas gigantes y escapando en un Volkswagen Sedan del siglo XX. Miles intenta hacerle el amor pero las personas del siglo XXI son frígidas y necesitan el orgasmatron, una maquinita virtual. En estas Miles es capturado y se le lava el celebro pero la resistencia logra capturarlo y restaurarle la memoria para entonces se da cuenta que ¡el jefe de la guerrilla le ha tirado los tejos a su chica!, a pesar de ello Miles se la lleva para averiguar que es el proyecto AIRES, motivo por el cual se le descongelo. Entran disfrazados de médicos y averiguan que el proyecto consiste en clonar al líder a través de la nariz, único miembro que queda después del último atentado. Miles consigue aplastar la nariz con una apisonadora y huye con su chica.

Parece que la idea de Woody era hacer un film de 4 horas y subdividir la proyección en dos mitades. La primera sería la vida de Miles Monroe en el presente, dueño de un establecimiento de "comida sana", y clarinetista (1973) y la otra mitad en el futuro (año 2173), las dos partes se presentarían en una misma función con un intermedio. Se trata de una comedia que retoma a los clásicos como referencia, y además tiene partes de ciencia ficción, algo completamente distinto a otras comedias suyas, bueno quizás algo de ficción tenemos en “La rosa púrpura de el Cairo” claro. 

En cuanto a la referencia a los clásicos es indudable ese homenaje, en especial el de Chaplin con la escena de la Máquina y el lío con la cinta al igual que en “Tiempos modernos”, o las escenas de médicos tan ácratas que me recuerdan a los grandiosos hermanos Marx en “Un día en las carreras”, también esa cocina ultramoderna del inolvidable Jacques Tati en Mi tío, o las perdidas de papeles de los fantásticos Stan Laurey & Oliver Hardy, como cuando estrella el Volkswagen, o escenas parecidas con Buster keaton, además está el lado científico, en ese plano creo que nadie podría dejar de lado las referencias a “Un mundo feliz” o la voz de la maquina de 2001, HAL-9000, en la V.O. es la misma.

Por otro lado están los decorados pop y vanguardistas de la época, o la arquitectura de los edificios, la maravillosa máquina del orgasmatron y esa cara de felicidad con la que sale woody, jaja lo habría ensayado antes con Diane. En fin un peliculón para tener bien guardadito en la Videoteca, una de esas comedias ácratas y divertidas sin remedio que me encantan..

Bueno ya veremos que tal duermo la semana que viene, mientras tanto iré al cine o a escuchar grupos tan interesantes como las Furias el sábado pasado, Hair Ladies el viernes, Christina Rosenvinge hoy o Glutamato yeye la semana que viene, grupos cercanos de una forma u otra.

Nota 7,8

El padrino II y III

No podía dejar sin comentar las otras dos películas de la trilogía de “El Padrino”. Parece claro que F. Coppola estaba en un momento espectacular y quería aprovecharlo. La segunda parte de “El Padrino” para algunos es incluso mejor que la primera, es una discusión algo absurda, pero como siempre le gusta a la gente que uno se moje pues lo haré por la primera, por ser la que abre la brecha y con ello la más original, porque sin Brando no habría Padrino, y porque uno es un clásico que cree en los flechazos a primera vista. Pero desde luego la segunda parte es una maravilla, especialmente me gusta ese cambio en la narración, una forma valiente y arriesgada de variar la formula lineal (en cuanto a temporalidad) que había sido exitosa en la primera parte.


Procuraré ser breve, ya que analizar estas dos partes podrían resultar eternas. El comienzo de “El Padrino II” ya nos sitúa en una doble situación temporal, la de comienzos del Siglo XX en Sicilia, donde un joven Vito Andolini –Corleone- (Robert de Niro) es testigo del asesinato de su madre, es perseguido por Don Ciccio para ser asesinado y huye a Ámerica; por otro lado nos situamos en los finales de los 50 en la comunión del hijo de Michael Corleone, el Don (Al pacino) tiene negocios en Cuba con Hyman Roth (Strasberg) y problemas con la comisión investigación del Senado.

Los negocios a comienzos de siglo XX se solucionaban sin problemas de conciencia, en tonos sepias, en una Little Italy que prosperaba junto con los asuntos de Don vito una vez eliminada “La Mano Negra”, también vuelve para resolver los lios pendientes con Don Ciccio. Mientras en la Ámerica coloreada de los 60 los problemas de conciencia parecen afectar mas al proceder de la familia, al menos aparentemente, aunque el Don es atacado en su propia casa, y éste lo descubre, al final lo pagan todos, su mujer pierde voluntariamente el hijo que esperaba y abandona el hogar, el intocable Hyman Roth es asesinado o alguien mas difícil de perseguir, alguien casi sagrado pero que resultó ser culpable, alguien de la familia es acusado y tras morir la madre de Michael...

No se si es que me encanta la época de comienzos del siglo XX y Nueva York, pero los momentos de Flash back con Robert de Niro me resultan alucinantes, de lo mas grande, escenas como el asesinato de “La Mano Negra”, o cuando esta con su mujer y el niño malito, o cuando dice “Me llamo Vito Corleone, mi padre se llamaba Antonio Andolini... y esto es para ti.” son inolvidables con ese carraspeo de voz imitando como si comenzara un joven Vito (Brando) y sus gestos, claro que tampoco esta nada mal alguna secuencia de Al Pacino, ese beso a su hermano quedará también para la historia del cine.

Nota 9.6


Creo que nadie duda que la tercera parte es la más flojita de las tres, era mucho pedir que se aguantara el nivel sin duda, pero ¿quien se resiste a quedarse sin ver el desenlace de la trilogía? Es curioso por otra parte ver a la hija del director Sofia Coppola (haciendo de hija del Padrino) aunque justamente este hecho es el que mas le recrimina la critica, bueno tampoco actúa tan rematadamente mal pero frente a Al Pacino o Robert de Niro pues canta mucho su actuación. Esta basado en parte en hechos reales como la muerte del Papa Juan Pablo I y la polémica del Banco Ambrosiano. Se vuelve a la narración lineal sin flashback. En esta parte veo a la “sección femenina” mas redonda en su actuación, no se si sería el director o ellas sobre todo Diane Keaton y Talia Shire, pero igual es mi punto de vista.

La tercera parte comienza como las otras dos, poniendo a la familia Corleone en intimo contacto con la Iglesia Católica, en este caso Michael Corleone dona 100 millones de Dolares para limpiar su apellido e introducirse en negocios con la Iglesia en International Immobiliare un negocio “Divino”, en el que como siempre hay celosos que les impiden salir adelante como Lucchesi y Keinzig y las demás familias que quieren su parte, así que se reúnen todos y casualmente estalla la refriega en este caso el que enciende la mecha es Zasa y Altobello quienes solo consiguen que escape Michael Corleone, este con la ayuda de su sobrino Vincent Mancini -hijo de su hermano Sonny- (Andy Garcia) se enfrentaran a una lucha sin cuartel donde la Iglesia tendrá mucho que decir. 

Los problemas familiares parecen solucionarse, por un lado la vocación musical de Anthony (hijo de Michael) parece seguir su curso natural, no desea estudiar derecho y mucho menos seguir los negocios ni los pasos del padre, otro es el amor desmesurado de Mary por su primo Vincent y el último la relación desde hace mucho apagada del matrimonio Corleone vuelve a resurgir, todo se apaga cuando bajan las escaleras de la casa de la Opera de Sicilia.

El final es soberbio, bueno es una larga terminación, porque como en las otras dos partes, tiene una manera parecida de despedirse, violentamente y luego con un corto epilogo mucho mas suave y sutil. Esas escaleras me recuerdan a las de los intocables de Eliot ness con un Andy Garcia también soberbio, ah claro y, salvando las distancias a esas grandiosas y dramáticas escaleras de El Acorazado Potemkin !!!

Nota 8.5

El Padrino

Llevaba mucho tiempo intentado escribir sobre esta obra maestra, pero entre unas cosas y otras no he podido. Ayer vi la primera parte de esta trilogía. La verdad es que desde que fui al cine por primera vez hasta ayer no sé cuántas veces la habré visto pero sigo disfrutando y descubriendo algún detalle nuevo. La verdad es que decir si es la mejor, una de las 10, 20, o 30 no me quita el sueño, pero si se que es de las elegidas por mi a ser vista cada uno o dos años, el por que considero que es tan grande, pues cada uno tendrá sus razones. Quizás sea la forma tan descomunalmente inteligente de narrar la historia, intercalando momentos tremendamente duros con otros emotivos, unos cortos con otros largos pero todos en perfecta sincronía; hasta la historia en sí, todo un estudio de la sociedad americana de los 40, de las familias, los negocios, de las debilidades humanas, los odios...una versión actualizada de "El rey Lear", de Shakespeare.

Para los menos analistas simplemente gozar de la actuación de Marlon Brando en el papel de “El Padrino” sin el cual simplemente no existiría la trilogía, u otras tan fantásticas como Al Pacino (Michael Corleone) haciendo una metamorfosis impresionante de niño bueno a implacable Padrino, o Robert Dubai (Tom Hagen) el frío consejero y abogado a la par que hermano adoptado, un papel a la sombra de los dos principales pero que me fascina, junto a ellos un sin fin de tipos duros y sus mujeres parte absolutamente fundamental en la película.

La película fue dirigida por Francis Ford Coppola en 1972, fue la primera de una trilogía, la semana que viene seguramente escribiré sobre al menos la segunda película. Esta basada en el libro homónimo de Mario Puzo.

Como ya he comentado y es fácil suponer, me parece una de las más grandes películas de todos los tiempos, una virtud de cualquier película es enganchar al público desde el comienzo (a mi modesto entender, otra es un final sublime, de esto hablaré luego)

El comienzo, podría parecer largo, como la película pero esta perfectamente calculado. La película comienza con una boda, la familia y la religión son fundamentales para todo siciliano, con ello además se aprovecha para presentar a todos los personajes importantes, que son recibidos por Don Vito Corleone. Además se puede comprobar el poder del padrino y el respeto que le tienen en la primera entrevista con Bonassera y el primer altercado que hay con el FBI.

Todo parece ir tranquilo, las 5 “familias” se respetan, pero Sollozo, El turco, un capo siciliano que trabaja para los Tattaglia quiere negociar con Don Corleone, para que ente le proteja legalmente en sus negocios con la heroína, para Don Vito ese es un negocio sucio.

Sollozo trata de asesinar al Padrino y casi lo consigue, cuando Michel el hijo de Don Vito va a visitar a su padre se da cuenta que está desprotegido cuando se suponía que debía estar vigilado por el capitán de la Policía McCluskey. Después se descubre que McCluskey es un policía de dudosa moralidad, pagado por "El Turco". Michael llama a Sonny para enterarlo de la situación. Logra cambiar a su padre de habitación y protegerlo de los sicarios, pero es arrestado por McCluskey, el capitán de policía, esbirro de Sollozzo, le pega un tremendo puñetazo. Justo entonces, Tom Hagen llega con detectives privados y resuelve la situación. Michel matará a Sollozzo y McCluskey y huye a Sicilia.

Alli conoce a Apollonia con quien se casa, pero es asesinada cuando intentaban matarlo, el odio crece en el todavía más y el chico bueno desaparece por completo, su hermano Sonny (James Caan) también ha sido asesinado, tras la paz firmada por las “5 familias” Michel regresa a NY.
Estando mayor Don Vito obtendrá Michel el cargo de Padrino, descubrirá que Brazzini quiere asesinarle, también esta en su contra , Moe…

El final es apoteósico, durante el Bautizo del hijo de Michel , en el que se van combinando estrofas en latín con la “justicia divina de la familia corleone, que fulmina a las otras 4 familias, van cayendo implacablemente con un tiro en el ojo, o atrapados en las puertas giratorias, a la salida de un ascensor o en la cama con una puta; tras decir amen el cura la familia Corleone se vuelve la mas poderosa, mas o menos como “A Dios rogando y con el mazo dando”, un final bestial.

Para terminar, como siempre comentar alguna anécdota, en este caso, hay muchas quizás, una muy curiosa es la de la protagonista mas joven, que es la hija del propio director, si Sofía Coppola que luego sería futura directora de cine aquí hace de bebe (Michael Rizzi) en el bautizo.

Evidentemente la Fotografia de Gordon Willis y la música de Nino Rota también hay que mencionarlas y sobretodo ese tema tan triste y melancólico que se hizo tan popular. Es posible que se diera una visión demasiado amable de "la familia", esa fue una de las criticas que se hicieron, de todas maneras no se debe confundir el cine con la realidad.

Como diría Don Vito...”puede que no te guste mi crítica u opinión, esto es un país libre, pero quizás tengas un accidente, no es personal es cuestión de negocios” ;)

Nota 9.7

La invasión de los ladrones de cuerpos

Estamos en un mundo lleno de miedos, como el de ser invadidos, ya en el año 38 el señor Orson Welles armo una buena con su obra radiofónica “La guerra de los mundos”, hace 70 años, entonces se trataba de marcianos, poco después llegarían los Nazis estos por desgracia no eran una creación literaria ni radiofónica, finiquitados estos los comunistas ocuparon su lugar. Ahora los integristas islámicos están en el punto de mira, quizás el próximo malo sea el nuevo imperio asiático, aunque para los “buenos yanquis” también el enemigo está en casa según joe el fontanero , pero la democracia tiene la última palabra aunque le pese a él y a los republicanos. Algunos buscan amigos donde sea para estar entre los primeros de la clase, para liderar la lucha contra otros enemigos más difusos como la crisis, creados por los estudiantes “golosos”.

Después de esta parrafada, espero que me quede algún amigo que quiera seguir leyendo lo que realmente es interesante, esto es, la estupenda peli "La invasión de los ladrones de cuerpos".

La pelicula que nos ocupa, es una maravilla de la ciencia ficción, dirigida por Don Siegel en 1956, basada en un relato de J. Finney con el cual se desarrollo el guión por parte de Daniel Mainwaring quien tendría sus problemas en la época de la “cazade brujas”. Aunque se trata de una película de ciencia ficción tiene también características de las películas del cine negro o del cine de suspense e incluso de terror, en definitiva una estupenda película eso si de bajo presupuesto, o serie B pero no por ello igual de espectacular.

La acción transcurre en Santa Mira, una pequeña ciudad ficticia de California, en 1956, Miles Bennel (Kevin McCarthy) ejerce allí como doctor y tras regresar de un congreso médico comenzará a percibir situaciones muy extrañas. Un niño no parece reconocer a su propia madre, quien se comporta sin sentimientos hacia él y su amiga Wilma (Virginia Christine) duda sobre la identidad de su tío. Miles, con la ayuda de Becky (Dana Wynter), su antigua novia, comenzará a investigar estos extraños asuntos, por la noche le llama Jack un vecino y comprobará que en su casa hay un cadáver con un parecido asombroso al de Jack.

Los problemas irán subiendo de tono hasta un par de momentos cumbres, como cuando descubren en el invernadero unas vainas gigantes con unos cuerpos creciendo dentro o en el que Miles besa a su antigua novia, ella ha dejado de ser humana y esta sólo...necesita ayuda.

Es posible que no se expliquen ciertas cuestiones como de que forma llegan las vainas allí (se dice que por unas semillas del espacio nada mas) o que ocurre con los cuerpos originales al ser clonados y otras preguntas mas o menos previsibles, pero sin duda además de tener fáciles soluciones alargarían el relato y bajarían el tono de suspense probablemente, hoy les encanta a muchos directores explicarlo y enseñarlo todo, no estoy de acuerdo.

Se ha comentado siempre que se trata de una película antimacartista y anticomunista, por la sencilla razón de defender básicamente los valores del pensamiento individual y libre frente a los de una autoridad sin ningún tipo de escrúpulos y una masa sin sentimientos que sólo sabe obedecer, este mensaje era claro, por ejemplo en la España de Franco se prohibió la película en los cines, llegó a la televisión en los años 70.

Sin permiso de Siegel se introdujo un prólogo y un epílogo, narrando la historia con la técnica del flashback, esto seguramente le quitaría algo de fuerza al misterio de la resolución de la historia al dar un final presuntamente feliz. Es interesante destacar tanto la música de Carmen Dragon y la fotografía de Ellsworth Fredericks sin duda fundamentales para ambientar cualquier situación de suspense. Philip Kaufman hizo un remake "La invasión de los ultracuerpos"; en el 93, Abel Ferrara realizó otro, "Secuestradores de cuerpos", y en 2007 se ha hecho el tercero "Invasión", sin duda esto explica lo grande de la primera película.

Dos últimas anotaciones: el sábado pasado se presento la película de un buen amigo, Angel de la Cruz; Los muertos van deprisa, le deseo un éxito terrorífico ;).

Mirar estos días debajo de la cama, no sea que alguien os hubiera puesto una lechuga gigante ;)

Corregi el título en castellaño, ya que puse la traduducción del 78, como bien apuntaron por aquí xabi, Alberto...prefiero la del 56 ;), sería quizás recomendable poner el título en inglés para evitar estos lios, gracias.

Nota 8.5